lunes, 14 de diciembre de 2015

UNA MAMA EN APUROS-Motherhood

Año: 2009
Pais: EEUU
Dirección: Katherine Dieckmann
Intérpretes: Uma Thurman, Anthony Edwards, Minnie Driver, David Schallipp, Matthew Schallipp, Daisy Tahan, Jodie Foster
Guión: Katherine Dieckmann
Música: Joe Henry
Fotografía: Nancy Schreiber

Eliza es una madre, ama de casa, algo geek, al borde de un ataque de nervios. Tiene dos niños de seis y dos años y un marido que trabaja en una editorial. Vive en el Greenwich Village neoyorquino, un buen barrio, aunque su casa no tiene ascensor. A ella le encanta escribir -tiene un blog- , y cree que una buena oportunidad de desarrollar su talento sería lograr la columna de una publicación que busca alguien fresco, que pueda hablar de su maternidad. Para lograrlo, debe entregar un artículo de 500 palabras, justamente sobre el tema de la maternidad. La oportunidad surge el día en que anda revolucionada con los preparativos del sexto cumpleaños de su hija, lo que se complica con mil incidencias: un rodaje de cine en el barrio, problemas con el coche, el enfado de su mejor amiga, actitudes distraídas del esposo....

Agradable película de lo que podríamos deducir que la mujer, no es que sea igual al hombre, es que es superior. A menos eso opina la hijita de la protagonista, que dice a su madre en un momento dado: "papa puede hacer algunas cosas, pero tú puedes hacerlo todo". Y en efecto, en lo que se refiere a la capacidad de criar a los hijos y sacar adelante el hogar, estando atenta a los detalles, el film subraya la increíble capacidad y talento de la mujer. Tal planteamiento, que vertebra el film, es de la directora, que dirige y firma el guión. La cineasta afirma que partió de esta idea: "¿Por qué no se hacen comedias buenas sobre la maternidad?". Y de aquí concibió una comedia agridulce que habla de los sacrificios, penas y gratificaciones que conlleva la aventura de ser madre, que lleva a la felicidad. Para fans de Jodie Foster: hay un cameo de ella as herself.

Es una película que nos pasea por temáticas como: la muerte del apetito sexual dentro de la pareja, la falta de tiempo para uno mismo, el difícil oficio de ser madre y esposa, el vivir en constante estrés por atender con responsabilidad un hogar a full time (lidiar con marido,mascota, hijos, vecinos, etc.), el renegar con todo aquello que tiene que ver con vivir dentro de un barrio urbano de clase media con mucho ajetreo, el cambio de carácter por el estilo de vida, el sentirse abrumada de compromisos que implican estar siempre atenta a las necesidades de todos pero con la poca colaboración de los demás, el llevar adelante una vida menos poética y más realista por estar inmersa en la cotidianeidad, la realidad monótona de atender una familia que rompe con las pretensiones de seguir siendo una pensadora e intelectual que se dedica a escribir ficción, la baja autoestima de una mujer que ya no se ve atractiva, etc. Y, sin embargo, nos dice la película que Eliza se siente plena.

El climax es, quizás, la estupenda escena en la que Eliza explica a su esposo cómo ella siente que esas tareas tan concretas y específicas que hacen las madres -llenar tazas de café, doblar ropa, etc-"cómo que se llevan la pasión". Se queja, pero a la vez busca encontrar en todo eso la pasión por vivir. 

Una palabra acerca del marido, un poco desdibujado y despistado en la película. La familia sale adelante porque él aceptó un trabajo bien remunerado pero que le resulta aburrido. Lo hizo por amor a su mujer y a sus hijos. Y, en un momento determinado-es otra de las buenas escenas de la película-él le dice a su mujer que con tanta actividad y tanto estrés, está dejando morir la relación de pareja. Y ahí Eliza se equivoca, porque su marido es lo primero, por muy despistado que sea.




lunes, 7 de diciembre de 2015

WALESA, LA ESPERANZA DE UN PUEBLO-Walesa.Man of hope

Año: 2013
País: Polonia
Dirección: Andrzej Wajda
Intérpretes: Robert Wieckiewicz, Agnieszka Grochowska, Iwona Bielska, Zbigniew Zamachowski, Maria Rosario Omaggio, Ewa Kolasinska, Miroslaw Baka, Michal Czernecki
Guión: Janusz Glowacki
Fotografía: Pawel Edelman

La película se centra en 20 años de la vida de Lech Walesa,el líder del sindicato Solidaridad, el premio Nobel de la Paz en 1983 y el primer presidente de Polonia después del comunismo.

"Detrás de un gran hombre, hay una gran mujer", dice el dicho popular. Lech Walesa lo fue, aunque la película también retrata algunas debilidades de su carácter que no impiden considerarle como uno de los hombres más influyentes del siglo XX, porque, con  Polonia, cayó el comunismo.

La película nos muestra un Lech Walesa que quiere profundamente a su mujer y a sus hijos. Y a la vez sus ausencias del hogar, por su labor con Solidaridad o por estar en la cárcel. "Es un huésped" dirá en algún momento su mujer. Pero es ella quien va a mantener la estabilidad del hogar. La que apoyará firmemente a su marido en sus convicciones, aunque en algún momento no pueda más. La que sacará adelante el matrimonio, pesar de los pesares, porque en ningún momento deja de estar enamorada de su famoso marido. Y es ella  el punto de agarradero de sus hijos, que no se acostumbran a las ausencias de su padre. Y es ella incluso quien irá a recoger el  Premio Nobel de la Paz ya que su marido no puede salir de Polonia.

La película nos cuenta, efectivamente, la actuación de Walesa en la caída del comunismo, pero se detiene, con un punto de admiración, en Danuta. Sin ella, Lech Walesa no hubiera sido nadie.


lunes, 23 de noviembre de 2015

SIEMPRE ALICE-Still Alice

Año: 2014
País: EEUU
Dirección: Richard Glatzer, Wash Westmoreland
Intérpretes: Julianne Moore, Kristen Stewart, Alec Baldwin, Kate Bosworth, Hunter Parrish, Erin Drake, Shane McRae, Stephen Kunken
Argumento: Lisa Genova (novela)
Guión: Richard Glatzer, Wash Westmoreland
Música: Ilan Eshkeri
Fotografía: Denis Lenoir

Alice es una brillante profesora universitaria, su marido también se dedica a la enseñanza y la investigación, y ambos tienen tres hijos ya adultos con la vida encauzada o en vías de estarlo. Con apenas cincuenta años empieza a tener fallos en la memoria y momentos de desorientación que se revelan como los primeros síntomas de un Alzheimer familiar, y por tanto hereditario. El caso de Alice es raro a su edad y  avanza con celeridad, lo que hace sufrir a sus seres queridos y a ella misma.

Los directores abordan una historia de alta intensidad emocional, que explora una realidad cada vez más frecuente en los hogares, debido en parte al aumento de la esperanza de vida. Y se las arreglan para abrir un realista abanico de las dificultades que atraviesan los enfermos de Alzheimer y sus familiares.

En una situación tan dura, Dios no aparece para nada. La vida es para Alice, no solamente dura-todos sus éxitos se van a desvanecer en la nada-, sino, sobre todo, sin esperanza, lo que le llevará a un intento de suicidio. Alice piensa que la vida sólo es plena cuando hay salud, éxito profesional o familiar, mientras que una vida deteriorada, como es y será la suya, es un sin sentido. No se si humanamente lo es, pero para Dios esa vida tan deteriorada está plena de significado.

En esta película se muestra lo necesario que es el apoyo familiar para estas personas, aunque parezca que no se den cuenta. Y, al mismo tiempo, lo duro que es para estos familiares el cuidado de un enfermo de estas características. Por eso, hay que ser comprensivo con cualquier cansancio o desaliento que puedan tener. Asi, hay que entender al marido, que la va cuidando día a día, cuando en un momento determinado se va fuera de la casa temporalmente por motivos profesionales. No va a dejar sola a su mujer, porque su hija pequeña va a tomar el relevo en los cuidados de Alice, pero se siente culpable: "Tú eres mejor que yo", le dice a su hija, mientras ella le abraza para disculparle. En cualquier caso, tendrá que volver y seguir cuidándola porque estos enfermos suelen tener una longevidad notable. De la misma manera, hay que aplaudir el gran amor de la hija pequeña por su madre que no vacilará en dejarlo todo por irse a cuidarla mientras el padre está fuera.

No es una película fácil de ver por la temática, pero nos muestra, una vez más, que sin la familia la vida se hace imposible.

lunes, 9 de noviembre de 2015

JURASSIC WORLD

Año: 2015
País: EEUU
Dirección: Colin Trevorrow
Intérpretes: Chris Pratt, Jake Johnson, Bryce Dallas Howard, Vincent D`Onofrio, Omar Sy, Lauren Lapkus, Nick Robinson, Judy Greer, Irrfan Khan, Ty Simpkins, BD Wong, Katie McGrath
Argumento: Michael Crichton (novela original)
Guión: Colin Trevorrow, Derek Connolly
Música: Michael Giacchino
Fotografía: John Schwartzman

Gray, un niño de once años, acude con su hermano mayor, Zach, a Jurassic World, un nuevo complejo con dinosaurios reconstruidos genéticamente, que se ha instalado en isla Nublar, el lugar que antaño fue la sede del accidentado Jurassic Park. Entusiasmado, el chico trata de olvidar por un momento la sospecha de que sus padres están en pleno proceso de divorcio, y disfrutar de las maravillas que le deparan las criaturas del lugar, donde trabaja su tía Claire. Mientras Owen, un miembro del equipo del parque, revisa la seguridad alrededor de un nuevo habitante del parque, un híbrido de varias especies de aspecto mortífero gracias a los "milagros" de la genética, que contra todo pronóstico logra escapar....

Esta película ha sido hecha para entretener y lo logra plenamente. Lo de menos es si tiene fallos del guión o meteduras de pata (a la tía Claire, que se supone que es soltera, se le ve en un momento determinado la alianza). Es una película para la familia y que trata sobre una familia, pero que tienen problemas. Los padres de los chicos están en fase de divorcio, el hijo menor sufre enormemente por ello, la tía Claire está alejada de su hermana, la madre de los chicos y no conoce apenas a sus sobrinos. El hermano mayor es cruel con el hermano menor.

Pero a  lo largo de la aventura se va viendo lo siguiente. El hermano mayor tiene que proteger al menor y eso hace que se de cuenta que le quiere. La tía Claire casi se vuelve loca cuando pierde de vista a sus sobrinos y tiene que ir a rescatarlos, acompañado de Owen. Ella misma comprende entonces lo mucho que quiere a sus sobrinos y a su hermana, oculto  este cariño por un trabajo desmesurado. Los padres, al final, reaccionan, y vuelven a unirse. Es un planteamiento que se encuentra en todas las películas de Spielberg: la desestructuración familiar. Pero con final feliz: la familia es lo único que vale la pena.

lunes, 12 de octubre de 2015

EL VERANO DE NUESTRAS VIDAS-The Magic of Belle Isle

Año: 2012
País: EEUU
Dirección: Rob Reiner
Intérpretes: Morgan Freeman, Virginia Madsen, Kenan Thompson, Emma Fuhrmann, Madeleine Carroll, Nicolette Pierini, Kevin Pollak, Boyd Holbrook, Fred Willard
Guión: Guy Thomas
Música: Marc Shaiman
Fotografía: Reed Morano

Tras la muerte de su esposa, el escritor Monte Widhorn se ha vuelto un amargado que ha perdido la fe en el mundo y en sí mismo y sólo encuentra consuelo en el alcohol. Su sobrino, preocupado por él, le ha encontrado un lugar para pasar las vacaciones: la casa de veraneo de un músico amigo suyo. La única condición será que cuide del perro. En ese lugar conoce a Charlotte O`Neil, una atractiva divorciada que intenta empezar una nueva vida, y a sus tres hijas: Flora, de seis años, Finnegan, de diez y Willow, de quince.

Morgan Freeman nunca defrauda, cualquiera que sea el registro que toque, en este caso, el de un viejo amargado. Pero conoce a una familia: madre y tres hijas. Y empieza a preocuparse de ellas. Por ensalmo, sus preocupaciones se van olvidando y nota que está saliendo lo mejor de sí mismo. ¡Es que la persona no está hecha para mirarse el ombligo!.

Ahora bien, la película nos plantea el dilema: lo que hay entre Monte y Charlotte, ¿es amor o amistad?. Las bibliotecas están llenas de libros que intentan diferenciar entre amor y amistad entre un hombre y una mujer. Internet está llena de artículos sobre lo mismo. En este caso, aparentemente, todo sugiere que el amor es imposible por las diferencias que hay entre los dos: raza, religión, salud, edad....Sin embargo, Monte empieza a cortejar a Charlotte. Me parece que esta palabra incluso ha desaparecido en el idioma castellano, porque las películas sólo nos muestran los amores impetuosos y de personas jóvenes, que además confunden el amor con el sexo. Aquí, Monte, con delicadeza, de forma original (a través de un cuento que escribe para su hija pequeña), le está diciendo que la quiere. No hay pasión, no hay llamarada, hay un amor que de forma tranquila pero profunda va surgiendo en Monte por Charlotte, siendo perfectamente consciente de las diferencias que hay entre ellos. Es un amor que durará, porque está anclado en bases sólidas. 

Y Charlotte, ¿siente lo mismo por él?. Ella se da perfecta cuenta que él se va enamorando, pero la película no nos dice en ningún momento si ella realmente lo está. Sin embargo, por sus miradas (¡que buena actriz es Virginia Masden!) nos está diciendo al espectador que no le es indiferente. Pero nos quedamos realmente sin saberlo. Sin embargo, la decisión final sobre si la relación sigue o no adelante, recaerá sobre ella. Tendrá que considerar si la edad es un obstáculo, si la invalidez física de Monte es un problema o no. O si Monte será esa figura paterna que sus hijas echan tanto de menos. ¡Lástima que la película no nos diga cual es su decisión!

lunes, 5 de octubre de 2015

LA TEORIA DEL TODO

Año:2014
País: Reino Unido
Dirección: James Marsh
Intérpretes: Eddie Redmayne, Felicity Jones, David Thewlis, Charlie Cox, Maxine Peake, Emily Watson, Simon McBurney, Harry Lloyd, Christian McKay, Adam Godley.
Argumento: Jane Hawking (Libro "Travelling to Infinity: My life with Stephen").
Guión: Anthony McCarten
Música: Jóhann Jóhannsson
Fotografía: Benoît Delhomme

Biopic sobre el físico británico Stephen Hawking, uno de los científicos más reconocidos del siglo XX. Cuando se hallaba haciendo el doctorado en la Universidad de Cambridge, se le diagnosticó la enfermedad de la motoneurona, que causaba la atrofia progresiva del movimiento voluntario de los músculos. La película abarca los años de su matrimonio con Jane, su primera mujer.

Stephen Hawking es digno de admiración, de compasión y de incredulidad. Es digno de admiración por su mente tan brillante. Es digno de compasión por haber sido afectado por una enfermedad tan dura. Y es digno de incredulidad porque es difícil creer que una mente tan potente sea un juguete de los sentimientos. ¿Hay alguna razón para su ruptura con Jane, que le apoyó de manera decisiva?. Simplemente que dejó de quererla, aunque en la película no aparece del todo claro en este aspecto el papel que juega la segunda mujer que le atiende, cuando Jane no puede más. 

¿Cómo es posible que una mente tan poderosa sea un juguete de los sentimientos, que van y vienen, sin poder controlarlos?. Todo aquel que se plantee su vida sobre el mero sentimiento no será más que un esclavo del mismo. Perderá toda su libertad, si, por encima del mismo, no sabe poner el deber.

Stephen Hawking,como tantos, fundamenta su matrimonio en una base tan endeble como los sentimientos. Cuando estos desaparecen, y desparecerán con toda seguridad, esto es, cuando el sentimiento del amor por Jane desaparezca-y de hecho es así-, entonces se encuentra justificado para echarla de su vida. No cuenta para nada ella ni cuentan para nada los tres hijos, aunque diga esa frase tan cursi que "el gran triunfo de su vida fueron sus tres hijos". 

El sentimiento es un pilar del matrimonio. Pero más lo es la razón y la voluntad, la decisión de mantener ese proyecto en común que es la vida conyugal contra viento y marea, con días aburridos, con una convivencia que puede pesar. Pero ahí está la madurez de las personas: el sacar adelante aquello a lo que se comprometieron. Stephen Hawking es una mente de primera categoría, y es también un inmaduro de primera.

Stephen Hawing también tenía la ayuda de Dios para sacar su matrimonio adelante. Pero era agnóstico. Se cierra a lo que realmente le hubiera podido ayudar.

lunes, 28 de septiembre de 2015

LA FAMILIA BÉLIER

Año: 2014
Países: Bélgica, Francia
Dirección: Eric Lartigau
Intérpretes: Karin Viard, François Damiens, Louane Emera, Eric Elmosnino, Roxane Duran, Ilian Bergala, Luca Gelberg, Mar Sodupe
Guión: Eric Lartigau, Victoria Bedos, Thomas Bidegain, Stanislas Carré de Malberg
Música: Evqueni Galperine, Sacha Galperine
Fotografía: Romain Winding

En la peculiar familia Bélier, todos son sordos menos Paula, que tiene 16 años. Ella es indispensable para sus padres en el día a día, sobre todo en la explotación de la granja familiar. Animada por su profesor de música que ha descubierto en ella un sorprendente don para el canto, decide preparar la prueba para un concurso de radio nacional. Una elección vital que podría significar alejarse de su familia y un paso inevitable hacia la edad adulta. ¿Podrán los Bélier sobrevivir sin quien ha sido siempre sus labios y sus oídos....o triunfará el espíritu de una familia que haría cualquier cosa por seguir unida?.

Siempre es muy agradable encontrarse con películas con un sentido tan positivo de la familia. Aunque sordos, los Bélier son una familia muy normal. Se quieren, se pelean, darían la vida unos por otros. Pero llega un momento en que Paula tiene una oportunidad espléndida de desarrollarse profesionalmente. Ella, ante el inicial rechazo de su familia a que se vaya, decide también quedarse en el pueblo. Es ciertamente una correcta elección. Pero todavía es mejor que sus padres se den cuenta que su hija tiene que volar y salir de casa como ellos lo hicieron en su momento. Les cuesta, pero la apoyan y Paula se va. Sigue queriendo profundamente a su familia pero, como todos, salta del nido. Sus padres, como buenos padres, saben renunciar a su hija para que ella siga su propio camino. Su profundo amor a su hija es un amor desprendido, no posesivo.

lunes, 14 de septiembre de 2015

FUERZA MAYOR

Año: 2014
Países: Dinamarca, Francia, Noruega, Suecia
Dirección: Ruben Östlund
Intérpretes: Johannes Kuhnke, Lisa Loven Kongsli, Kristofer Hiviu, Clara Wettergren, Vincent Wettergren, Fanni Metelius, Karin Myrenberg, Brady Corbet, Johannes Moustos.
Guión: Ruben Östlund
Música: Ola Flottum
Fotografía: Fredrik Wenzel

Una familia pasa las vacaciones de invierno en los Alpes. El sol brilla y las pistas están magníficas, pero cuando almuerzan en un restaurante, se produce una avalancha. Los clientes del restaurante se asustan. Ebba, la madre, llama a su esposo Tomás para que le ayude e intenta salvar a sus hijos, pero Tomás ha huido para salvar la vida....La avalancha se detiene delante del restaurante, sin ocasionar daños, y sin embargo, la familia se ha resquebrajado. Persiste una duda sobre el padre, y Tomás busca desesperadamente recuperar su lugar de patriarca de la familia.

¿Huyó Tomás porque no quería suficiente a su mujer y a sus hijos o porque se dejó llevar por un instinto racional de pánico?. Tomás no acepta lo primero, pero terminará pidiendo perdón a su mujer por haberla abandonado a ella y a los niños. Porque esa huida es una mezcla de ambas cosas: es irracional, casi no se da cuenta de lo que hace. Sin embargo, si Tomás no hubiese previamente sido infiel a su mujer o se hubiese preocupado de verdad de sus hijos, en vez de trabajar tanto, probablemente su reacción hubiera sido otra. El amor a su mujer y a sus hijos le hubiera hecho superar el instinto irracional de pánico. No obstante, hay que tener una cierta compasión por Tomás y entender la debilidad que tuvo.

Para Ebba, la huida de su marido ha sido un auténtico shock. Mientras ella, casi de modo automático, protege a sus hijos, la persona a quien ama huye cobardemente. No lo entiende y no está dispuesta a perdonar, ni siquiera cuando su marido se lo pide.

Los hijos son los grandes sufridores de la película: se han visto decepcionados por su padre y además ven , con angustia,como el matrimonio se está resquebrajando. Sin embargo, ellos serán los primeros en perdonar al padre y forzarán, casi físicamente, a que su madre le perdone.

Se restablece, al final de la película, la unidad familiar. Un Tomás más humilde y una Ebba más comprensiva con las debilidades ajenas y más dispuesta al perdón.

Se echa de menos en la película el recurso a Dios. Si El hubiera estado por enmedio, es posible que Tomas no hubiese llegado a la situación a la que llegó y que a Ebba le hubiese sido más fácil perdonar.


lunes, 7 de septiembre de 2015

ASI SOMOS

Año: 2012
País: EEUU
Dirección: Alex Kurtzman
Intérpretes: Chris Pine, Elizabeth Banks, Michael Hall D`Addario, Michelle Pfeiffer, Olivia Wilde, Mark Duplass, Sara Mornell, Philip Baker Hall, Dean Chekvala, Barbara Eve Harris.
Guión: Alex Kurtzman, Roberto Orci, Jody Lambert
Música: A.R. Rahman

Sam, charlatán vendedor de unos veinte años, debe volver a casa porque su padre ha muerto repentinamente. Una vez allí, se entera, con enorme sorpresa, que tiene una hermana, hasta entonces desconocida, y un sobrino, a quien su padre les ha legado una sustanciosa cantidad de dinero, dinero que ha de ser entregado por el propio Sam. Este, al principio, es reticente a cumplir el legado, hasta que, poco a poco, al ir conociendo a su hermana-sin que ella sepa que tiene un hermano- sus ideas van cambiando.

Sólida y entretenida comedia familiar, que deja un estupendo sabor de boca. Sam es un inmaduro, que no quiso saber nada de sus padres, y a quien la muerte de su progenitor le trastoca completamente. Se da cuenta que ha abandonado a su madre y, sobre todo, a medida que va conociendo a su hermana y su sobrino,  les va queriendo cada vez más hasta que llega el momento en que sus propios intereses-quedarse con el legado- ceden ante su hermana y su sobrino.

La evolución de la relación materno-filial entre Sam y su madre y la relación fraternal, entre Sam y su hermana nos muestra a un personaje inmaduro y egoísta al principio, pero que, poco a poco, va saliendo de sí mismo hasta poner a su familia por delante.Es muy interesante una frase que Sam dice al final cuando afirma que "la familia es el lugar donde los errores son perdonados. Y yo soy el rey de los errores".

Conmueve ver también el enorme cariño de la hermana ante su padre, que les abandonó, a ella y a su madre. Siempre le estuvo esperando y siempre lloró por el abandono.

lunes, 31 de agosto de 2015

ALGUIEN A QUIEN AMAR

Año: 2014
País: Dinamarca
Dirección: Pernille Fischer Christensen
Intérpretes: Mikael Persbrandt, Trine Dyrholm, Birgitte Hjort Sorensen, Sofus Ronnov, Eve Best, Lourdes Faberes, Peter Frödin, Thomas Hwan
Guión: Pernille Fischer Christensen, Kim Fupz Aakenson
Fotografía: Laust Trier-Mork

Thomas Jacob, cantante de fama internacional afincado en Los Angeles, vuelve a su Dinamarca natal para grabar un disco, ocasión para reencontrarse con su hija Julia, con la que apenas ha tenido trato, y para conocer a su nieto Noa. El lugar que escoge para vivir, un castillo donde le sobra espacio por todas partes, se convierte en símbolo de su existencia: tras dar tumbos en su vida sentimental y haberse liberado de las drogas, el precio que ha pagado es encerrarse en sí mismo y dedicarse por completo a su talento musical. Pero se verá obligado a salir de su encerramiento  cuando Julie le anuncia que debe ingresar en una clínica para desintoxicarse de sus adicciones, motivo por el que debe cuidar a Noa, una tarea que ve como una molesta carga.

A pesar de ser una película edulcorada-porque lo es, a pesar de su aparente frialdad formal- la realidad que esconde es muy clara: el padre, lleno de drogas y de divorcios, con un ego monumental-necesita dos mujeres que le atiendan-abandonó a su hija. Esta, llena de drogas y de nostalgia por el padre que la dejó, muere como consecuencia de aquellas. Es más responsable de la muerte de Julia el padre que la propia hija.

La directora quiere dulcificar la película haciendo que el abuelo se encargue de su nieto. Pero ello no oculta la tremenda realidad: el padre es directamente responsable de la muerte de la hija. Y no parece que se arrepienta demasiado. E incluso la directora hace un guiño a Hollywood: va a poner un final feliz. El abuelo va a cuidar del nieto. Esto solo pasa en las películas. En la realidad, el tremendo egoísmo del padre habría impedido cuidar del nieto. ¿Por qué iba a hacerlo?. ¿Por su hija?. No parece que estuviese muy arrepentido de haber sido ocasión de su muerte por haberla abandonado. ¿Por qué entonces?. ¿Por el propio niño?. ¡Curiosos sentimientos paternales que surgen de pronto!. Pero,¡claro!, es una película. En las películas hasta el cuento de Cenicienta es real- En la vida, no.

lunes, 20 de julio de 2015

DOS DIAS, UNA NOCHE

Año: 2014
País: Bélgica
Dirección: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne
Intérpretes: Marion Cotillard, Fabrizio Rongione, Catherine Salée, Olivier Gourmet, Christelle Cornil, Pili Groyne, Simon Caudry, Batiste Sornin
Guión: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne
Fotografía: Alain Marcoen

Sandra ha estado de baja por depresión en la fábrica donde está empleada. Casada y con dos hijos, cuando ya medianamente recuperada está a punto de reincorporarse al trabajo, se lleva una desagradable sorpresa: sus compañeros han sido presionados para votar entre un incentivo en forma de sustanciosa prima, y la eliminación de su puesto de trabajo, ganando la primera opción, que les ayudaría a resolver muchos problemas económicos. Como el modo de hacer ha sido algo heterodoxo, su jefe concede a Sandra la oportunidad de que el lunes se vuelva a votar la propuesta. De modo que dispone de un fin de semana para hablar con cada uno individualmente y persuadirles de que apuesten por la conservación de su puesto de trabajo.

Aunque en algún momento la película es algo aburrida ya que en definitiva no es más que presentar las distintas visitas que Sandra hace a los diferentes trabajadores, hay que reconocer, no obstante, que los Dardenne saben ofrecer estupendas variaciones sobre el mismo tema, un verdadero dilema ético, y cada caso es cada caso: se puede plantear una llamada telefónica, una conversación con padre e hijo empleados de la fábrica, o con un trabajador o su cónyuge, puede haber reacciones destempladas, pragmáticas, decepcionantes, de puro amor...Se nos ofrece un abanico completo de cómo el ser humano responde ante las necesidades del prójimo, confrontándolas con las suyas propias, y tomando decisiones muy comprensibles, pero, por supuesto unas mejores que otras, de más categoría humana, porque se hacen en conciencia, con magnanimidad y sin darse importancia.

Sandra no hubiera podido hacer nada sin su paciente y enamorado marido. Ella, en el fondo, no es más que una depresiva, sin  ganas de luchar, pero que empujada por el amor de él y el de sus hijos está dispuesta a no rendirse. Sin embargo, tiene sus desalientos, su intento de suicidio, pero ahí está su marido para empujar, para animar, para comprenderla, para aceptarla tal como es. 

El final es espléndido: Sandra renuncia al puesto de trabajo y de esa manera evita que echen a a uno de sus compañeros, que la había apoyado. Sin embargo, aunque parezca lo contrario, Sandra no pierde y -ello se ve de manera palpable en la película- se convierte en una mejor persona. Su generosidad, el no pensar en ella y sí en el compañero, hace que ya no sea la Sandra del comienzo del film. El amor, el afecto, el apoyo de su marido, hace que su matrimonio se compacte, se fortalezca. Los dos cumplen literalmente lo que se prometieron cuando se casaron: <<amarse a las duras y a las maduras>>, especialmente en este caso, lo primero.

lunes, 6 de julio de 2015

MAGIA A LA LUZ DE LA LUNA

Año: 2014
País: EEUU
Dirección: Woody Allen
Intérpretes: Colin Firth, Emma Stone, Simon McBurney, Catherine McCormack, Eileen Atkins, Jacki Weaver, Hamish Linklater, Marcia Gay Harden, Erica Leerhsen, Jeremy Shamos.
Guión: Woody Allen
Fotografía: Darius Khondji

El hechicero chino Wei Ling Soo es uno de los magos más populares de su época, pero poca gente sabe que no existe en realidad, pues tras el disfraz se encuentra Stanley Crawford (Colin Firth), un personaje británico, gruñón y arrogante que siente verdadera aversión por los falsos espiritistas.Su amigo, Howard Burkan le convence para que se embarquen en una misión en la Costa Azul, concretamente en la mansión de la familia Catledge. Stanley se presenta allí haciéndose pasar por un hombre de negocios con el objetivo de desenmascarar a la joven vidente Sophie Baker (Emma Stone), quien se aloja en la mansión para ayudar a Grace, la matriarca, a contactar con su difunto esposo.

Fiel a su cita anual, esta vez Woody Allen presenta una fábula deliciosa y optimista, donde se reflejan-¡cómo no!-sus neuras, pero esta vez la película deja un muy buen sabor de boca. ¿Es suficiente la racionalidad para casarte con una persona?. Stanley Crawford está convencido que Olivia, su novia, es la chica que más le conviene desde un punto de vista frío y cerebral, aunque no esté enamorado de ella. Sin embargo, se termina enamorando de Sophie, lo más opuesto a él. Sin embargo, tampoco se deja llevar por el puro sentimiento, que él es consciente que no le llevaría muy lejos. Se da cuenta que Sophie, que en el fondo no es más que una sencilla americana un poco pueblerina, le aporta equilibrio, le hace reir, se mete con ella (y ella con él), le ayuda a salir un poco de sí mismo y de sus negros pensamientos. No es solamente que se haya enamorado de ella, sino que es plenamente consciente que le conviene. En este caso, Stanley Crawford sabe unir corazón y cabeza, un binomio importantísimo para iniciar la vida conyugal.

Este matrimonio será duradero porque ambos hablan, charlan, conversan, no se guardan nada. Cuando ya estén casados, si convierten su matrimonio en una continua conversación, ese matrimonio triunfará. Además, cada uno se ríe con las cosas del otro.¡Qué cosa tan bonita es ver matrimonios que han llegado a las bodas de oro en que a él le siguen haciendo mucha gracias las cosas de ella!. Y al revés. Es posible que haya algunos ratos de aburrimiento, pero serán pocos. Seguirán disfrutando uno con el otro.

lunes, 22 de junio de 2015

GRACE DE MONACO

Año: 2014
Países: Bélgica, EEUU, Francia, Italia
Dirección: Oliver Dahan
Intérpretes: Nicole Kidman, Parker Posey, Tim Roth, Milo Ventimiglia, Paz Vega, Frank Langella, Derek Jacobi, Geraldine Somerville, Robert Lindsay, Roger Ashton-Griffiths
Guión: Arash Amel
Fotografía:Eric Gautier

Grace Kelly es una gran estrella de cine con una brillante carrera cuando contrae matrimonio con el Príncipe Rainiero de Mónaco en 1956. Seis años más tarde, mientras su matrimonio está pasando por serias dificultades, Alfred Hitchcock le ofrece la oportunidad de volver a Hollywood para hacer el papel de Marnie en su próxima película. Al mismo tiempo Francia amenaza con anexionarse Mónaco. Grace, desolada, se ve obligada a elegir entre la llama creativa que aún arde dentro de ella y su papel como su Alteza Serenísima, la Princesa de Mónaco.

Dejando aparte lo fantasioso del guión, la película se ve con agrado, aunque la crítica la ha vapuleado. Pero entrando en lo que es objeto de este blog, la situación para Grace Kelly es clara: atenerse a la estricta realidad de las cosas. ¿Y cual es esta realidad?. Que cuando se casó con Rainiero, adquirió el compromiso de entregarse a su marido, aceptando todo lo que ello conllevaba, que no era poco: convertirse en la soberana de Mónaco, hacerse amar por el que era ya su pueblo, y, sobre todo, renunciar a todo lo que para ella había sido lo más importante: ser una actriz de fama internacional. Pero había más renuncias: tenía que dejar de ser norteamericana, olvidarse de su cultura para adoptar la cultura de su marido y el papel de princesa. Fueron muchas renuncias, como las que hacen todos los matrimonios que quieren ser duraderos y felices. ¿Lo consiguió?. Sabemos que murió en un accidente de tráfico, siendo princesa de Mónaco y que su marido apenas pudo soportar su muerte. Ese matrimonio, fundamentado en las renuncias de ella ( y suponemos también que en las de él), duró y aquí se puede decir literalmente, "hasta que la muerte los separó".

La famosa sentencia "Fueron felices y comieron perdices" es cierta en un contexto claro: vivir el día a día, dejarse de ensoñaciones fantasiosas, y aceptar y  amar al cónyuge como es, con sus virtudes, sus defectos y sus circunstancias.

lunes, 8 de junio de 2015

MIL VECES BUENAS NOCHES

Año: 2013
País: Noruega
Director: Erik Poppe
Guión: Erik Poppe
Música: Armand Amar
Fotografía: John Christian Rosenlund
Intérpretes: Juliette Binoche, Nikolaj Coster-Waldau, Maria Doyle Kennedy, Larry Mullen Jr., Mireille Darc,Lauryn Canny, Adrianna Cramer Curtis, Mads Ousdal

Rebecca es una gran reportera de guerra. Tras un grave accidente, su marido e hijos le dan un ultimatum: o ellos o su trabajo.

Aparentemente puede plantearse esta película como "el típico caso de conciliación vida laboral-familiar". Es posible que este drama vaya más allá. Y ello es porque lo que está en juego en la reportera protagonista es un dilema ético y una pasión: la obligación de contar al mundo las atrocidades que existen (que se  convierte en una pasión en la protagonista), por una parte; y, por otra parte, la pasión por su marido y sus hijos (a los que quiere con toda el alma), así como la incomprensión (entendible) de su marido y de su hija mayor: ésta llega a decir que prefiere que su madre esté muerta para no tener que sufrir tanto esperando que les llegue el aviso de que su madre ha muerto en la zona en conflicto.

De entrada este film tiene el interés del cambio de "roles de género" en la pareja. En este caso, Rebecca ejerce una profesión arriesgada y apasionante mientras que el marido queda al cuidado del hogar y de las hijas cuando ella está ausente. Este planteamiento convencional, pero a la inversa, genera en la protagonista sentimientos de culpa por no estar a la altura como madre y esposa. Quedando en evidencia, en cierto modo, la naturalización de la desigualdad de género, pues en general cuando es el hombre el que ejerce estas profesiones no suele plantearse este tipo de culpabilidad.

¿Como resuelve Rebecca el dilema?. Por su convencimiento de estar realizando una auténtica denuncia del horror, el fanatismo y la injusticia, apostará por su trabajo, aún sabiendo los enormes costes personales que le conlleva: de hecho, su marido la echa de casa, aunque, de alguna manera, la hija mayor, al final de la película, en cierta forma, disculpa a su madre.

¿Qué decir ante este dilema, tan dramáticamente planteado por el director (en la realidad, las cosas no suelen ser tan dramáticas)?. No me atrevo a entrar demasiado. Sí que me gustaría decir que hay un principio básico: en los conflictos familia-trabajo, la familia ha de estar en primer lugar. De lo contrario, le puede pasar como a la protagonista. Su marido la echa de casa y ella se siente enormemente sola. ¿Significa ésto que la solución se halla en que ella renuncie definitivamente a su trabajo?. Es una opción, que implica una carga de renuncia y entrega descomunal. Pero también podrá ser posible llegar a algún tipo de acuerdo con su familia para que de alguna manera ella pudiese continuar con su trabajo, pero partiendo de la idea que su matrimonio y sus hijas son prioritarios.

lunes, 25 de mayo de 2015

BAJO LA MISMA ESTRELLA

Año: 2014
País: EEUU
Dirección: Josh Boone
Intérpretes: Shailene Woodley, Ansel Elgort, Laura Dern, Nat Wolff, Willem Dafoe, Lotte Verbeek, Sam Trammell, Emily Peachey
Argumento: John Green (novela)
Guión: Scott Neustadter, Michael H. Weber
Música: Mike Mogis, Nate Walcott
Fotografía: Ben Richardson

Hazel y Gus son dos adolescentes que con dos cosas en común: ambos tienen cáncer y están enamorados.

Esta película se puede ver desde dos perspectivas: como un intento de presentar al público juvenil una historia donde se tratan cuestiones tan serias como la enfermedad, el dolor, la eternidad y la muerte ( con independencia que acierten o no en esa presentación), todas ellas enmarcadas por el amor, lo único capaz de darles el necesario sentido o como un pastiche lacrimógeno.

Sinceramente, a mí me aburrió bastante, debe ser porque ya hace mucho tiempo que he pasado de los dieciocho años. Me ha parecido una auténtica "americanada", con un estilo puramente adolescente, poco realista. Además, algunos detelles revelan el punto de vista típico de un ciudadano estadounidense, que incluso pueden sorprender a un adolescente europeo, por muy "americanizado" que esté en sus costumbres.

No es realista presentar una película sobre el cáncer y pasar de puntillas sobre la quimio, como si eso fuera tomar un helado. No es realista presentar una película sobre el cáncer y no hablar de Dios, la eternidad y el más allá. Y más si se trata de dos chicos jóvenes que están a punto de morir. No es realista no presentar el papel de los padres como auténtico soporte de estos  chicos a punto de morir. ¿De verdad se cree el guionista o el autor de la novela que dos chavales podrían aguantar todo lo que les pasa sin el soporte esencial de sus padres?. Sin embargo, en la película, los padres de ella -los de él ni aparecen-apenas tienen protagonismo.

Se podría decir: es una película y la gente quiere distraerse, quiere acción, fantasía y cosas bonitas. ¡De acuerdo!. En ese caso, que se haga otra cosa, pero no una película de estas características, que engañan profundamente al público adolescente al que va dirigido.

Es verdad que en la película se trata de focalizar todo en el amor de la pareja adolescente, obviando todo lo anterior. Estoy convencido que este film habrá provocado ríos de lágrimas entre tantos jóvenes que habrán ido a verla -vaya manipulación de los sentimientos que se hace en algunos momentos, especialmente al final-pero aún así, vuelvo a repetir lo mismo: si se trata de temas serios, se hace con seriedad, no ocultando la realidad, por muy dura que parezca. Por cierto, ¿quien dijo que las mujeres-al menos las que valen realmente la pena-son difíciles de conquistar?. El primer día que se conocen, Gus ya la invita a su casa y ella acepta.

lunes, 11 de mayo de 2015

BLANCA COMO LA NIEVE, ROJA COMO LA SANGRE

Año: 2013
País: Italia
Dirección: Giacomo Campiotti
Intérpretes: Filippo Scicchitano, Aurora Ruffino, Gaia Weiss, Romolo Guerreri, Luca Argentero, Cecilia Dazzi, Flavio Insinna, Eugenio Franceschini.
Argumento: Alessandro D`Avenia
Guión: Fabio Bonifacci, Alessandro D' Avenia
Fotografía: Fabrizio Lucci.

Leo es un chico de dieciséis años, no mala persona, caradura, graciosillo y que podría estudiar más. Sus dos grandes amigos son Niko y Silvia, testigos del loco enamoramiento que Leo siente por una chica pelirroja del instituto, Beatrice, a quien Leo ni siquiera se atreve a presentarse. Finalmente, tras un leve primer encuentro, Leo se entera de que su amada ha contraído una gravísima enfermedad y su mundo se derrumbará.

No es una película al uso. Adolescentes que no parecen echar en falta el alcohol. No hay drogas en su punto de mira. No se escucha un taco. Las continuas referencias al sexo de películas típicamente españolas aquí se cambian por sentimientos y emociones.

Por el contrario, nos encontramos con una película en que, a regañadientes, eso sí, se estudia. Los protagonistas se comunican valorándose como personas y no como objetos. Están alegres , vitales y comunicativos. No desprecian la trascendencia.

Es una película donde se sublima el amor adolescente, lleno de vaivenes y extremismos, en donde no caben las medias tintas porque todo se vive o se sufre exageradamente. Se aprovecha también para situar a las emociones en su contexto y para establecer la diferencia entre pasión y amor, aunque tantas veces se confundan, al tiempo que se habla de la realidad del dolor como fuente de madurez personal.

lunes, 27 de abril de 2015

INTERSTELLAR

Año: 2014
Países: EEUU, Reino Unido
Dirección: Christopher Nolan
Intérpretes: Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain, Michael Caine, Casey Affleck, John Lithgow, Bill Irwin, David Gyasi,  Wes Bentley, Mackenzie Foy, Timothée Chalamet, Topher Grace, David Oyelowo, Ellen Burstyn, Matt Damon
Guión: Christopher Nolan, Jonathan Nolan
Música: Hans Zimmer
Fotografía: Hoyte Van Hoytema

Trata esta película sobre las aventuras de un grupo de exploradores que utilizan un agujero de reciente descubrimiento para vencer las limitaciones para los viajes espaciales y conquistar las vastas distancias que implican los viajes interestelares

Ambiciosa cinta épica de ciencia ficción, de amplio y espectacular lienzo que plantea una situación en que existe el riesgo serio y real que desaparezca la humanidad y donde el protagonista Cooper, en compañía de un equipo de científicos, deja atrás a su familia en la Tierra para embarcarse en una arriesgada misión de final incierto, que puede suponer no volver a ver a los seres queridos. ¡Lástima que el guión tenga un montón de agujeros negros!. Aunque hay que reconocer que el casting es sencillamente espectacular, con una Jessica Chastain en estado de gracia.

El dilema que se plantea al protagonista, Cooper, es claro: o salvar a la humanidad o no abandonar a sus hijos, sabiendo que le necesitan. Cooper escoge dejar a sus hijos, para salvar a la humanidad, aún teniendo claro que podría no volver a verlos más. Sólo al final, se da cuenta que se ha equivocado. Y es que sus hijos han crecido sin él ( y sin la madre, que había fallecido años antes del comienzo de la aventura), le han echado enormemente de menos y, lo que es peor, se han convertido en una especie de discapacitados emocionales. Unos hijos no pueden crecer sin sus padres. Mejor dicho, pueden hacerlo, pero las secuelas emocionales serán grandes. ¿Las superarán?. En la película, la hija no las logra superar. El recuerdo de su padre es continuo y presente. Sin los padres, los hijos carecen de puntos de referencia sólidos, carecen de una personalidad verdaderamente madura, especialmente desde el punto de vista afectivo. Efectivamente, el propio protagonista se da cuenta al final: ¡ha metido la pata!.

Es llamativa lo mal resuelta que queda la escena final, donde el padre,joven, se encuentra con su hija, ya anciana, a punto de morir. Un reencuentro de padre e hija-verdadero hilo argumental de la película- que el guionista resuelve en treinta segundos, y haciendo que el padre se vaya a buscar a una de las colegas que le acompañó en el viaje. Final sentimental barato en abierta contradicción con el sentido dramático de las relaciones entre padre e hija que se plantea a lo largo de la película.


lunes, 13 de abril de 2015

LA DESAPARICIÓN DE ELEANOR RIGBY

Año: 2014
País: EEUU
Dirección: Ned Benson
Intérpretes: Jessica Chastain, James McAvoy, Nina Arianda, Viola Davis, Bill Hader, Ciarán Hinds, Isabelle Huppert, William Hurt, Jess Weixler, Nikki M. James
Guión: Ned Benson
Música: Son Lux
Fotografía: Christopher Blauvelt

Conor y Eli conformaban un matrimonio perfecto en Nueva York, pero una tragedia cuya naturaleza ignoramos inicialmente les sacudió y ella desapareció sin decir nada. Tras una temporada de ausencia, Eli regresa para vivir en casa de sus padres -él es profesor universitario, ella, francesa, se dedica a la música-, donde también residen su hermana Kate con su hijo. A través de un amigo, Conor, que ha montado un restaurante sin mucho éxito, tiene noticias de que Eli está de vuelta en Nueva York y que está haciendo un curso en la universidad. De modo que trata de volver a conectar con su esposa.

A causa de la muerte de su hijo, Eli se derrumba y desaparece. Conor, que vuelve a la vida habitual, trata de recuperarla. La película pone el acento del rompimiento matrimonial en ella, tampoco sin dar demasiados explicaciones de cual ha sido la causa, aunque parece que es la muerte del hijo.

Quizás Eli no ha recordado que ella y él son un equipo, a las duras y a las maduras. Ahora han venido duras, pero, ¿ha debido olvidar por ello a quien es lo primero de su vida, que es Conor?. Porque se la ve que sigue enamorada de su marido. Quizás a Eli le ha faltado una enorme madurez: la madurez de quien sabe superar los momentos duros, los fracasos, el saber que en su vida matrimonial habrá días rosas, pero otros muchos podrán ser muy difíciles. El superar esas dificultades-en este caso la muerte del hijo-junto con su marido podría haberla hecho crecer como persona y haber aumentado su unión con él. Son un equipo y, como tal, se han de enfrentar a lo que les pueda venir en los vaivenes de la vida.

Pero también ha olvidado que su marido es lo primero en su vida. Si ésto lo hubiera tenido claro, las situaciones que presenta la película no se hubieran producido, o, al menos, se hubieran resuelto con mayor facilidad.

Además, la felicidad es una planta delicada que hay que cuidar continuamente. El marido desea constantemente volver a empezar. Sin embargo, sólo en la escena final-se supone que ha pasado un cierto tiempo desde el momento en que ocurren los sucesos que nos cuenta la película-a él se le ve saliendo de su trabajo y paseando y a ella-ha vuelto de París-siguiéndole, sin que el marido se dé cuenta. Posiblemente con la intención de alcanzarle y reconciliarse. Pero, ¿ y si el marido se ha hartado de ella?. Hay una película y una novela que me han recordado esta película. En "Lo  que el viento se llevó", después de haber intentado por todos los medios alcanzar el amor de su esposa-la inmortal Escarlata O`Hara-, el final es sorprendente: la mujer se ha dado cuenta de lo que vale el amor de su marido, pero éste se despide con un demoledor: "Querida, ¡no me importas nada!". Se ha cansado de luchar en vano y su amor se ha esfumado. 

En la clásica novela "La Feria de las Vanidades", pasa lo mismo. En este caso, el protagonista la acoge, después de que Amelia le haya rechazado una y otra vez, aunque al final también se da cuenta que ha sido tonta. Pero el autor del libro, con delicadeza, nos dice que su amor se había enfriado y su mujer se da cuenta. No se puede jugar con los sentimientos: hasta el amor más infinito se disipa por los aires cuando se ve rechazado.


lunes, 6 de abril de 2015

BEGIN AGAIN

Año: 2013
País: EEUU
Dirección: John Carney
Intérpretes: Mark Ruffalo, Keira Knightley, Hailee Steinfeld, Catherine Keener, Adam Levine, James Corden, Mos Def, Rob Morrow, Aya Cash, CeeLo Green.
Guión: John Carney
Música: Gregg Alexander
Fotografía: Yaron Orbach

Gretta (Keira Knightley) y Dave (Adam Levine), son una pareja enamorada a la par que compañeros compositores, que llegan a Nueva York cuando él firma un acuerdo con un importante sello discográfico. Pero su recién adquirida fama pronto tienta a Dave y deja de lado a Gretta, cuyo mundo se viene abajo. Cuando Dan (Mark Ruffalo), un ejecutivo discográfico en horas bajas, descubre a Gretta durante una actuación en los escenarios del East Village, queda cautivado al instante por su talento y le propone empezar a trabajar juntos. Una colaboración que les transformará a ambos, a la vez que compondrá la banda sonora de un maravilloso verano neoyorkino.

Es una gran película sobre la música-no es un musical-capaz de conmover gracias a unos personajes entrañables. Pero a la vez es una historia sólida con valores humanos que se plantea cuestiones como las crisis conyugales y de pareja, la difícil adolescencia y las relaciones padre e hija (la hija de Dan, desesperadamente deseosa que su padre se fije en ella ), la sensación de haber quedado obsoleto en la profesión y los rígidos mecanismos ajenos al arte y al respeto al público que a veces imperan en la difusión cultural, están imbricados en la trama con gran naturalidad.

Gretta y Dan, en su cada vez relación más estrecha produciendo el disco en las calles de Nueva York, podían haber haber caído en una relación sentimental al uso. Sin embargo, hay un punto de inflexión dramática. Y es cuando ella le pide, sin nombrarla, que escuche la inmortal canción de "Casablanca". Sin moralina, le está diciendo que es posible que se estén enamorando, pero que tú, Dan, tienes una mujer de la que sigues profundamente enamorado y una hija que te adora. Como en el final de "Casablanca", en que Ingrid Bergman se va con su marido, a tí, Dan, te toca ir con tu mujer y con tu hija, porque es lo que te hará realmente feliz. Además, yo ya me ido encargando-como así se ve en la película-que tu hija te vaya queriendo cada vez más. 

lunes, 30 de marzo de 2015

THE SKELETON TWINS

Año: 2014
País: EEUU
Dirección: Craig Johnson
Intérpretes: Kristen Wiig, Bill Hader, Luke Wilson, Boyd Holbrook, Ty Burrell, Kathleen Rose Perkins, Joanna Gleason, Iyan Hyland
Guión: Craig Johnson, Mark Heyman
Música: Nathan Larson
Fotografía: Reed Morano

La película es la historia de los mellizos Magie y Milo que después de muchos años de distanciamiento viven vidas separadas en partes opuestas del país. Cuando ambos sienten que ya no pueden más, una inesperada reunión les fuerza a plantearse el porqué de sus vidas ha ido tan mal.

Desde la perspectiva vital de ambos protagonistas, la película es profundamente pesimista. Ambos son dos personas que se sienten fracasadas por diversos motivos (aunque llama más la atención el caso de la hermana, a quien la vida aparentemente le va bien), y por ello quieren suicidarse. Pero desde otra perspectiva, hay una puerta a la esperanza: salen adelante por el profundo cariño fraternal que les une. Ambos han estado separados-la hermana se pregunta por qué durante diez años no se han hablado-, pero la íntima conexión que tenían desde pequeños no falla y es la razón de que salgan del pozo en el que están.

La verdad es que se agradecería más películas donde se mostrara la relación fraternal o el cariño entre hermanos (parece que este tipo de películas no son emocionantes para el espectador), y que además esta relación se mostrara en un contexto de más normalidad, no como en esta película donde los dos hermanos aparecen como personas profundamente descentradas. No obstante, hay que agradecer a este film que manifieste la importancia de los lazos familiares-en este caso la relación fraternal-como la única realidad en la vida de las personas. Todo lo demás puede tambalearse, pero ahí está la familia como el ancla de salvación y el lugar para recomponerse.


lunes, 23 de marzo de 2015

EL JUEZ

Año: 2014
País: EEUU
Dirección: David Dobkin
Intérpretes: Robert Downey Jr., Robert Duvall, Vincent D`Onofrio, Vera Farmiga, Billy Bob Thornton, Leighton Meester, Jeremy Strong, Grace Zabriskie, Dax Shepard, David Krumholtz, Balthazar Getty, Emma Tremblay, Sarah Lancaster.
Argumento: David Dobkin, Nick Schenk.
Guión: Bill Dubuque, Nick Schenk.
Música: Thomas Newman
Fotografía: Janusz Kaminski.

Hank Palmer, importante abogado, vuelve a su pueblo natal, donde su padre, el juez, de quien está distanciado, es sospechoso de asesinato. Decide descubrir la verdad y durante el proceso vuelve a encontrarse con la familia que había dejado años atrás.

Esta película es un sólido drama acerca de las relaciones entre padres e hijos, los fantasmas del pasado y el sentido de la justicia. Todos los personajes son excelentes, pero destacan el abogado Hank Palmer y su padre Joseph.

Padre e hijo mantienen durante todo el film un intenso pulso, tanto en el modo de afrontar el caso en los tribunales, como sobre todo en lo que se refiere a su propia relación paterno-filial, emocionalmente afectada por años de distanciamiento y un pasado conflictivo que poco a poco se va revelando. Hay en el film temas de importancia, respecto a la educación de los hijos, el equilibrio entre exigencia y comprensión paterna o la severidad a la hora de gestionar los traspiés, a veces serios, de jóvenes rebeldes y pendencieros. ¿Toda buena educación ha de perseguir el triunfo de los niños?. ¿Todo en la vida es el éxito profesional?. ¿A qué precio?. En realidad, ¿qué es triunfar?.

Pero quizás destaquen como valores el cariño, el perdón y la necesidad de manifestarse el afecto. El padre educó con dureza a su hijo Hank, que se sintió resentido por ello y nunca se lo perdonó, lo que llevó al distanciamiento posterior. Muy probablemente el padre hubiera conseguido lo mismo, rodeando aquella exigencia en un ambiente de afecto, sabiendo disculpar los posibles errores del hijo. Por otro lado, en toda familia hay que manifestarse el afecto. Esta familia que aparece en la película (padre y tres hijos) es toda de varones donde cualquier manifestación de afecto parece síntoma de debilidad. Sin embargo, es necesario hacerlo, porque el cariño y el amor es lo único que hace funcionar a las personas. De hecho, sólo cuando el abogado vuelve a su casa, tras la muerte de su madre y descubrir que su padre es sospechoso de asesinato, ambos empiezan, poco a poco, a romper la coraza que ocultaba sus sentimientos, para, a su manera, ir poniéndolos de manifiesto. El hijo se queda a defender a su padre porque se da cuenta de lo mucho que lo quiere y el padre, casi, sin querer, temina por manifestar el profundo afecto que siente por su hijo, a quien considera el mejor abogado que ha conocido. Sin embargo, poco tiempo tendrán para disfrutar de ese reencuentro emocional. Han perdido toda una vida por sus mutuas incompresiones y resentimientos y apenas han podido disfrutar de la relación padre-hijo.

lunes, 16 de marzo de 2015

EL EXTRAORDINARIO VIAJE DE T.S. SPIVET

Año: 2013
Países: Canadá, Francia
Dirección: Jean-Pierre Jeunet
Intérpretes: Kyle Catlett, Helena Bonham Carter, Judy Davis, Robert Maillet, Callum Keith Rennie, Julian Richings, Dominique Pinon, Jakob Davies
Argumento: Reif Larsen
Guión: Jean-Pierre Jeunet, Guillaume Laurant
Música: Denis Sanacore
Fotografía: Thomas Hardmeier

El protagonista del film es T.S. Spivet, un genio de doce años que vive en un rancho de Montana. Su gran talento para la cartografía y los inventos pronto tiene recompensa. Una institución científica le concede un prestigioso premio y cruzará medio país para recogerlo.

La película es un canto al deseo de conocer y a la ciencia, pero, no deja de subrayarse, ésta debe estar atravesada por la poesía o, dicho de otro modo, ser humana. Porque de otro modo lleva al escepticismo ante tantas cosas bellas de la vida, o al mercantilismo y la manipulación de los sentimientos, la tentación que ronda a una de las directivas del Smithsonian, la institución que ha premiado al chico. Pero es también una película que ofrece una atinada reflexión sobre la familia, el modo en que hay que cuidar las relaciones padres-hijos o entre hermanos.  Es una road movie con toques caprianos, con momentos para la risa y otros para la emoción. Un retrato sentido y nostálgico sobre la familia.

Los miembros de la familia son todos muy distintos. El padre es el tradicional cowboy de pocas palabras.Su madre es una investigadora científica, experta en escarabajos. Su hermana mayor es una adolescente, en plena edad del pavo, y soñando con ser Miss America. Y el hermano mellizo de Spivet murió en un trágico accidente del que él se siente culpable. Siendo los padres tan distintos, se quieren. Es llamativo ver como el director, mostrándonos como se rozan las manos, nos manifiesta, en un instante, el profundo amor que se tienen (aunque cuando él se enfada, come fuera de casa encima de su caballo, a la espera de la reconciliación). La hermana considera que su hermano menor es una especie de <<tarado>>, sin poder creerse lo del premio, pero cuando muere el hermano mellizo, será ella quien le ofrezca un gran consuelo y cariño. Spivet, a su vez, se siente profundamente culpable por la muerte de su hermano y piensa que sus padres no le han perdonado. Pero al final de la película, cuando su padre le monta a caballito y su madre le da un gran abrazo, se da cuenta de lo insustituíbles que son.

Y es que la familia es el único sitio donde uno es querido de verdad sin que obste el que todos sean muy distintos y el que, en muchos momentos, puedan existir roces y discusiones entre ellos.


lunes, 9 de marzo de 2015

DERECHO DE FAMILIA

Año:2006
Países: Argentina, España, Francia, Italia
Dirección: Daniel Burman
Intérpretes: Daniel Hendler, Julieta Díaz, Arturo Goetz, Adriana Aizemberg, Eloy Burman
Guión: Daniel Burman
Música: César Lerner

La película indaga en las relaciones paternofiliales y conyugales a través de la historia de Ariel Perelman, un joven abogado y profesor de Buenos Aires, y su padre, de la misma profesión y la mujer del primero, profesora de método Pilates.

El film trata sobre la cotidianeidad de un matrimonio, con su rutina y sus días iguales. Desde esta perspectiva, llama la atención la película: no pasa nada. Pero sí da que pensar, a través de la sonrisa y del humor, de los problemas de comunicación conyugales, que pueden convertir esa rutina diaria en el auténtico cáncer del amor conyugal. Así la extensa jornada laboral suele encontrar al protagonista abrumado cuando regresa a su hogar, con su pequeño hijo dormido, sin tiempo para comunicarse con su esposa y tan exhausto que la mayoría de las veces se desploma en la cama sin alcanzar a desvestirse.

A lo mejor habría que aconsejar al protagonista, que es un buen tipo, pero al que el trabajo le supera, que todos los días, al llegar de trabajar, se tomara una cerveza con su mujer, y charlaran un rato de lo divino y lo humano. Claro que tendría que reducir algo la jornada del despacho, pero, a la larga, si no lo hace, se puede jugar el matrimonio. Su mujer y él se convertirán en seres que se aburren y que, tarde o temprano, pueden encontrar a alguien que les sepa escuchar y les haga caso. Y es que esa normal rutina diaria hay que regarla todos los días con expresiones de amor, de atención, de hablar.

lunes, 2 de marzo de 2015

UN VIAJE DE DIEZ METROS

Año: 2014
País: EEUU
Dirección: Lasse Hallström
Intérpretes: Helen Mirren, Om Puri, Manish Dayal, Charlotte Le Bon, Rohand Chand, Juhi Chawla, Farzana Dua Elahe, Amit Shah
Argumento: Richard C. Moraiss (novela)
Guión: Steven Knight
Música: A.R. Rahman
Fotografía: Linus Sandgren

Tras morir la madre en un incendio, una familia india, los Kadam, se traslada al completo -papa con sus cinco hijos- desde Bombay, primero a Inglaterra, y luego a un pueblecito de la campiña francesa. El plan es poner en marcha un restaurante, en consonancia con el negocio que tenían en su país, y con los deseos de aprovechar el talento culinario de Hassan, el hijo segundo. Para ello compran una finca adecuada, que sólo tiene un pequeño inconveniente: se encuentra justo enfrente -tan sólo a diez metros-, de un prestigioso restaurante con una estrella Michelin, regentado por una viuda estirada, Madame Mollary, que desea crecer en estrellas. Se producirá en seguida la inevitable rivalidad, también por las costumbres culturales, bien diferentes.

Esta es una película deliciosa y emotiva, que te hace sentir bien, que te deja un buen sabor de boca. ¿Que puede ser, en algún momento, algo empalagosa?. ¡Pues qué bien!. ¿Que lo que se nos cuenta en la película se puede dar también en la vida real?. ¡Naturalmente!. Porque en la vida real, las cosas pueden y deben salir bien, más en tiempos de crisis,  puede haber  convivencia entre todas las razas y credos, se puede escoger lo mejor cuando en la vida hay que hacer elecciones, y, sobre todo, la familia tiene prioridad.

Porque esta es la historia de una familia que se quiere, con sus lógicas discusiones, con un padre un poco solo, y que es el ambiente adecuado para que uno de los hijos, Hassan, desarrolle sus mejores cualidades. Y es que la familia es el mejor sitio para convertirse en auténtica persona, donde a uno se le quiere por lo que es, y donde todos están dispuestos a sacrificarse por los demás. No solo eso: la estirada dueña del restaurante, poco a poco, se ve atraída, no sólo por el patriarca, sino también por una familia que, a pesar de sus iniciales diferencias, la va tratando con cariño y respeto.

Y la familia es el ancla que está ahí, inamovible. Hassan, triunfador en París, vuelve, sin embargo, al pueblo porque le espera su novia, pero también su familia, a quien echa desesperadamente de menos.


lunes, 2 de febrero de 2015

EL PASADO

Año: 2013
País: Francia
Dirección: Asghar Farhadi
Intérpretes: Bérénice Bejo, Tahar Rahim, Babak Karimi, Ali Mossaffa, Pauline Burlet
Guión: Asghar Farhadi
Fotografía: Mahmoud Kalari

Ahmed, de nacionalidad iraní, llega a París, donde le aguarda su ex-mujer Marie, francesa, para que le firme los papeles del divorcio tras cuatro años de ausencia. Aunque hay algo más. Ella desea que hable con su rebelde hija adolescente Lucie, fruto de otro matrimonio, y con la que él se lleva bien. Además ha previsto que se aloje en su casa, donde se va a enterar que Marie mantiene una relación con otro hombre, Samir, padre de un niño y cuya esposa se encuentra en coma.

Buena película de este gran director iraní, en la línea de "Nadir y Simin, una separación". Farhadi logra dibujar con maestría las heridas de los hogares rotos, la marca profunda que deja la infidelidad, el sufrimiento de los más vulnerables, los hijos, sobre todo si se encuentran en la adolescencia.

La familia que nos presenta la película está totalmente desestructurada, tanto física como mentalemente. Ahmad es el ex-marido de Marie y viene a firmar el divorcio, ya que ella va a casarse con  otro hombre, Samir. Pero Marie no ha logrado olvidarle (¿cómo lo va  a olvidar?. Romper el matrimonio es rajarse a sí mismo: una sola carne, dijo la Biblia en su momento). Marie tiene dos niñas, la adolescente Lucie y la pequeña Lea, de distintos padres (ninguno es Ahmed) y Samir sería su tercer matrimonio, quien a su vez tiene un hijo pequeño, Fouad, cuya madre (esposa de Samir) se encuentra en coma por intento de suicidio.

Película triste con personajes inestables emocionalmente, que sólo saben jugar con sus pasiones, y que olvidan que hay seres inocentes que sufren  como consecuencia de decisiones que toman sólo pensando en sí mismos. En primer lugar, la mujer de Samir, que intenta suicidarse al enterarse de la infidelidad de su marido con Marie, que aparece retratada en la película como una persona inestable. ¿De verdad el dejarse llevar por la pasión, olvidando la razón y la justicia que debe a su mujer, le servirá a Samir de justificación?. Al fin y al cabo, podría decir que por qué voy a seguir con alguien a la que no quiero. Si se suicida es problema suyo. Pero en la película resulta, además, que sigue queriendo a su mujer. Ha sido irracional en su pasión por Marie y ha destrozado dos vidas: la de su mujer y la de su hijo Fouad.

Su hijo Fouad es un niño digno de lástima. Se le ve totalmente desubicado y necesitado de cariño. Le falta el cariño de su madre-en el hospital en coma, por culpa de su padre- y la nueva pareja de su padre, Marie, es incapaz de dárselo. A este niño le faltan auténticos referentes paternos y maternos. Su padre no puede dárselos porque no es creíble y su madre menos, porque está en coma. También da pena la adolescente Lucie. Está ya muy cansada de las numerosas parejas maternas que han pasado por su casa y, por este motivo, ya no quiere vivir en ella.

Nadie es inocente en las relaciones humanas y los damnificados suelen ser los niños y los adolescentes que intentan entender el laberinto de pasiones, egos, venganzas y demás miserias de unos adultos que siguen siendo inmaduros, incapaces de una relación de verdad, pero que sólo se mueven por los vientos de sus pasiones y sus deseos.



lunes, 19 de enero de 2015

TRANSCENDENCE

Año: 2014
Países: EEUU, Reino Unido
Dirección: Wally Pfister
Intérpretes: Johnny Depp, Rebeca Hall, Paul Bettany, Kate Mara,Morgan Freeman, Cillian Murphy, Cole Hauser, Clifton Collins Jr., Josh Stewart
Guión: Jack Paglen
Música: Mychael Danna
Fotografía: Jesse Hall

Película construida sobre un flash-back, el científico Max Waters recuerda a sus amigos y colegas de investigación artificial, el matrimonio formado por Will y Evelyn Casters, en un futuro distópico próximo, en que las comunicaciones se han colapsado, han desaparecido las redes de internet y telefonía móvil que supuestamente hacían el mundo más pequeño. Will es un científico visionario de gran prestigio pero al mismo tiempo muy controvertido, que en colaboración con varios laboratorios, y al margen de las agencias gubernamentales, ha trabajado en una máquina inteligente con ciertas capacidades emocionales y conocimiento en continua progresión, que podría hacer más fácil la vida al hombre. Pero grupos antisistema, que recurren incluso a actos terroristas para alcanzar sus objetivos, consideran que su trabajo está dando paso a una visión blasfema de Dios, un ente artificial que podría tomar sus propias decisiones, sin seguir las órdenes de sus creadores, limitando así la libertad del ser humano. De modo que atentan contra la vida de Will utilizando balas radioactivas, y éste, sabiendo que sus días están contados, acelerará con la ayuda de su esposa sus trabajos con la idea de transferir su propia conciencia a la máquina. Un modo de proceder que desagrada a Max, que piensa que existen límites éticos en la investigación científica. Los resultados son en cualquier caso increíbles, pero la duda es si Will máquina es el Will humano que todos conocieron.

En el fondo, esta película es una triste historia de amor. Él, que va a morir y ella que, desesperadamente, desea que sobreviva cómo sea. ¿Solución?.Convertir a Will en una máquina. Y, al final, claro, se plantea la clásica pregunta: ¿el fin justifica los medios?. ¿El mantener vivo, de alguna manera, al marido, a toda costa, justifica la creación de una máquina, que parece que es Will, pero que manifiesta una sed insaciable de poder?. Aparentemente la respuesta es fácil: el fin no justifica los  medios, cuando éstos son ilicitos o inmorales, como parece que sucede en la película (de hecho, la propia mujer se revela contra la máquina). Sin embargo, en la práctica, hay que ser enormemente comprensivos. No justificar, porque no se puede justificar lo injustificable, pero sí entender. Me hace recordar la actitud, desesperadamente angustiosa, de la mujer de un político muy conocido, que estaba aquejado de Alzheimer, y que pedía la utilización de embriones humanos como material de investigación para poder curar a su marido, de quien estaba muy enamorada. Hay que entender la actitud de esta mujer, pero al mismo tiempo saber cuales son los límites de su petición, sobre todo cuando sabes que esos embriones humanos, los que creen que no son personas, tienen al menos una cualidad: se van a convertir en personas. Y no digamos nada si se piensa que efectivamente son personas, hayan nacido o no. En este caso, no se van a convertir en personas: ya lo son.

lunes, 5 de enero de 2015

EN UN LUGAR SIN LEY

Año: 2013
País: EEUU
Dirección: David Lowery
Intérpretes: Rooney Mara, Casey Affleck, Ben Foster, Keith Carradine, Nate Parker, Rami Malek, Charles Baker, Heather Kafka
Guión: David Lowery
Fotografía: Bradford Young

Bob (Casey Affleck) y Ruth (Rooney Mara) son una joven pareja de fugitivos en los años 70. Enamorados y despreocupadamente felices, sobreviven gracias a los delitos que cometen, ajenos a los peligros de vivir al margen de la ley. Un día, Ruth, accidentalmente, mata a uno de los policías que los están persiguiendo. Bob asume la culpa y es arrestado. Cuatro años más después, incapaz de soportar por más tiempo la separación de su mujer y de su hija, a la que no ha llegado a conocer, Bob escapa de prisión con un único objetivo: recuperarlas.

Cine poderoso, de mundos interiores, de personajes recios, de vidas duras, de presentimientos trágicos. Quizás el guión presenta alguna debilidad, pero ya se sabe que no todo puede ser perfecto. El amor de los dos forajidos -porque eso son-tiene una cualidad que lo hace verdadero. Está avalorado por el sacrificio. Solo el amor que se sacrifica por el otro es verdadero amor. Lo demás es egoísmo, consecución del propio placer y poco más. Bob ama a Ruth con un amor así. No duda en ir a la cárcel para salvarla. Incluso cuando se escapa, pudiendo irse a otro lugar, va en su busca, aún a riesgo de volver a ser cogido o de morir.

Ruth también ama a Bob, pero tiene sus dudas. Son ya cuatro años de espera y se empieza a cansar. En realidad, eso pasa en cualquier relación. Los altos y los bajos, los días monótonos forman parte del sueldo de cualquier pareja. Hay que echar mano, entonces, de la lealtad a aquel compromiso que se formuló quizás muchos años atrás. Y los cristianos, además, sabemos que Dios garantiza ese compromiso con la fuerza de un sacramento grande: el sacramento del matrimonio.