Intérpretes: Eva Green, Matt Dillon, Lars Eidinger, Nancy Tate, Aleksey Fateev, Marc Fischer, Zélie Boulant, Sandra Hüller, Jan Oliver Schroeder, Vitaly Jay, Birger Frehse
Guión: Alice Winocour
Música: Ryuichi Sakamoto
Fotografía: George Lechaptois
Sarah es una astonauta francesa que se entrena en la Agencia Espacial Europea en Colonia. Es la única mujer dentro del exigente programa. Vive sola con Stella, su hija de siete años. Sarah se siente culpable por no poder pasar más tiempo con la niña. Cuando Sarah es elegida para formar parte de la tripulación de una misión espacial de un año de duración llamada Proxima, se produce el caos en la relación entre madre e hija.
Es grato poder ver películas sobre misiones espaciales que no sean norteamericanas. Y en esta se pone en valor que uno de los astronautas sea mujer, en un mundo masculino. Como pasa en los entornos donde los hombres predominan, las mujeres tienen que hacer el doble de esfuerzo que sus colegas masculinos para ser valoradas y apreciadas. (¡Turista espacial!, le llama el astronauta norteamericano al principio, aunque al final, viendo su esfuerzo y dedicación termina valorándola en su justa medida).
El otro tema es la distinta valoración de la relación entre padres e hijos que se desprende de la película. En ella la directora explicita el sentimiento de culpabilidad de Sarah ante el hecho de tener que dejar a su hija con su padre. Si hubiera sido al revés, es decir, si hubiera sido un hombre el astronauta y hubiera dejado la hija con su madre, ¿ésto se hubiera planteado en la película?. Lo dudo. Es más, en la película, el resto de los astronautas, hombres, viven más despreocupados por sus hijos, asumiendo la distancia y el tiempo que van a pasar sin verlos.
En cualquier caso, queda claro que la hija, aunque echa mucho de menos a su madre, se encuentra perfectamente bien con su padre. También sucede que mientras la hija vivía con su madre, el padre-ambos están separados- la atiende poco por su trabajo. Cuando pasa a ocuparse de ella, en ausencia de la madre, pasa a atenderla con dedicación, restringiendo sus propias ocupaciones.
Hay, no obstante, un borrón negro en la película inexplicable. Al final de la película, en plena cuarentena, la astronauta se escapa para llevar a su hija a ver el cohete juntas antes de despegar. Ello supone poner en peligro la misión y una falta de profesionalidad monumental, por ceder ante el sentimentalismo de la promesa que la astronauta hizo a su hija de ver el cohete. Nadie se da cuenta pero el error de la astronauta es grande.
Intérpretes: Blanca Parés, Ignacio Montes, Tusti de las Heras, Ann Coll Miller, Agustín Oto, David Mora
Guión: Carmen Blanco
Música: McEnroe
Fotografía: Jacobo Herrero
Eva es una joven que regresa a su ciudad natal para pasar las vacaciones de verano. Lo que Eva no espera es encontrarse con Rubén.
Película intimista, en donde salen a relucir las dificultades en superar relaciones, comenzar otras nuevas, romper las existentes o asumir los amores que sentimos por otras personas. Y una pregunta de fondo: ¿es posible una amistad entre un hombre y una mujer sin que se transforme en algo más?. La madre de la protagonista entiende que es imposible esa amistad. Lo mismo piensa la directora de la película.
Lo que sí me ha llamado la atención es la actitud de Rubén, el antiguo amigo de Eva. Un hombre que la dejó para irse con otra, cuando llega Eva vuelve a reunirse con ella, la abandona para volver a la primera y cuando Eva se va, pretende reanudar la relación. Es un hombre que se mueve al vaivén de los sentimientos más inmediatos. No es dueño de sí mismo, lo que plantea además la cuestión de lo que pasaría si Eva volviese con él al final, cuando se traslada de ciudad. Es un buen ejemplo de tantos, que han dejado de funcionar con la razón en la práctica para seguir lo que más le apetece. Y como eso tampoco suele durar mucho, volverán a buscar otra cosa que tampoco les llenará. Es complicado fundamentar un matrimonio de esa manera y más cuando los sentimientos van y vienen. No hay que rechazar los sentimientos, pero sí recordar que a veces no acompañan a los compromisos, especialmente el matrimonial, y sin embargo hay que tirar para adelante, a veces sin ninguna gana o ilusión.
Después de uno de sus habituales hurtos, Osamu y su "hijo" encuentran a una niña en la calle aterida de frío. Al principio, la esposa de Osamu no quiere que se quede con ellos, pero acaba apiadándose de ella. A pesar de sobrevivir con dificultades, gracias a pequeños robos, la "familia" es feliz, hasta que un incidente imprevisto revela un secreto que pone a prueba los lazos que les unen.
Vuelve Koreeda a decirnos que los lazos que constituyen a una familia pueden ir más lejos de lo que supone compartir la misma sangre. Explora con hondura antropológica, los sentimientos de paternidad, maternidad y filiación, mostrando como en situaciones de indigencia y necesidad pueden despertarse la generosidad y entrega, aunque en ese darse a los demás, no vale todo. Koreeda llega a poner en boca de uno de sus personajes lo siguiente: "La familia que se escoge es mejor que la que te toca". Pero un policía, cuando ve que Osama y su "familia" han abandonado al "hijo", le dice a éste: "Una familia de verdad no te hubiera abandonado". Pero a la vez, cuando la "familia" se desintegra por la acción de la ley, es muy emocionante ver a la niña, que ha sido devuelta a sus padres biológicos (que la han hecho objeto de malos tratos en el pasado), esperando a que vengan a buscarla.
Como conclusión se puede decir que lo que nos dice este director, en esta película y en toda su obra ("Después de la tormenta (2016)", "De tal padre tal hijo (2013), "Nadie sabe (2004)" y algunas otras más), que la familia, esté como esté creada, al margen de la forma de ser de cada uno de los individuos que la integran, es vital para una existencia mínimamente digna y saludable del ser humano, y que la infancia debe de estar especialmente protegida.
Intérpretes: Sally Field, Max Greenfield, Beth Behrs, Wendi McLendon-Covey, Stephen Root, Elizabeth Reaser, Tyne Daly, Peter Gallagher, Natasha Lyonne, Kumail Nanjiani, Caroline Aaron, Isabella Acres, Rich Sommer, Rebecca Wisocky, Edmund Lupinski
Argumento: Laura Terruso (corto "Doris & the Intern")
Guión: Laura Terruso, Michael Showalter
Música: Brian H. Kim
Fotografía: Brian Burgoyne
Después de toda una vida pasando desapercibida y siendo ignorada, la vida de Doris, una mujer entrada en años, da un vuelco cuando se enamora de un compañero de trabajo mucho más joven que ella.
Tragicomedia donde destaca una gran Sally Field. Al mismo tiempo me ha producido nostalgia desde que la vi en "Ausencia de malicia" con el inolvidable Paul Newman. Han pasado muchos años y es una magnífica actriz. Borda su papel de mujercilla inquieta y excéntrica, vulnerable síquicamente pero encantadora, cuya vida ha transcurrido escondida y que con el paso de los años ha mantenido intacta su inocencia, de una ternura casi infantil. Hasta que se enamora de un hombre mucho más joven que ella.
Me ha gustado mucho como la película muestra la sincera amistad con su amiga de toda la vida, que sabe estar ahí cuando Doris la necesita. Y la película muestra también algo raro de ver en el cine: ¿es posible el enamoramiento entre un hombre joven y una mujer mucho más mayor que él?. Hemos visto muchas veces lo contrario pero, al menos en mi caso, es la primera que veo esta situación. La película lo deja sin resolver, pensando probablemente que es una situación extraña. Pero extraña no significa que no sea posible. De hecho, el final es estupendo, un giro hermoso que nos deja una puerta abierta, que nunca sabremos si se cerró del todo. Al mismo tiempo, el tema está tratado con gran sensibilidad, sin caer en la burla o el engaño.
Intérpretes: Ewan McGregor, Albert Finney, Billy Crudup, Jessica Lange, Alison Lohman, Helena Bonham Carter, Robert Guillaume, Marion Cotillard, Danny DeVito, Steve Buscemi, Miley Cyrus.
Argumento: Daniel Wallace (Novela "Big Fish: a Novel of Mythic Proportions").
Guión: John August
Música: Danny Elfman
Fotografía: Philippe Rousselot
Tim Burton entrecruza hábilmente el presente, en que Will Bloom acompaña en el lecho del dolor a su padre Ed, gravemente enfermo, con un pasado de relatos hermosos pero increíbles. Éstos, escuchados una y mil veces, se han convertido a los ojos del hijo en una impostura, que oculta una verdad que cree ignorar: en efecto, a Will le atormenta la idea de que su padre esté a punto de dejar este mundo, y que no haya llegado a conocer quién es. Es una película que habla del poder de la imaginación y de los cuentos.
Película maravillosa donde se rinde un sentido homenaje a la figura paterna e invita a hacer un esfuerzo para entender el comportamiento de nuestros padres que nos han podido parecer cuestionables. De hecho, la mejor y más genial crítica de "Big Fish" la dió un crítico americano: "Es una película preciosa...y discúlpeme, que tengo que llamar a mi padre". Edwar Bloom es como muchos ven a su padre: un héroe cuando son niños, un poco pesado cuando son mayores y, de nuevo un héroe al descubrir quien es en realidad, sobre todo cuando ven el cariño infinito que su padre les brinda.
Pero, a la vez, resulta conmovedora la manera en que Ed conquistó a su mujer, la madre de Will. Edward trabaja en un circo por una única remuneración: que le den la información necesaria para encontrar a la mujer con la que sueña casarse. De hecho, la película tiene una de las escenas de amor más bonitas que se han hecho en la historia del cine. Y es la película un canto a la fidelidad matrimonial y al amor abnegado.
Por otro lado, Edward Bloom es un hombre hecho a sí mismo, que supera todas las barreras y que es capaz del máximo sacrificio, pero la diferencia está en las motivaciones. No hallaremos aquí cosas como el triunfo, el éxito económico, el egoísmo personal o la envidia. Los valores que aquí se nos muestran son la solidaridad, la amistad, el deseo del bien común y el amor. Pero sobre todo la concepción de que nuestra vida es algo demasiado bella y única como para ser manospreciada.
¡Ah! Y el final es emocionante hasta la lágrima. Todos los personajes están juntos y va directo al corazón.
Intérpretes: Julianne Moore, Laura Dern, Woody Harrelson, Trevor Morgan, Ellary Portefield, Simon Reynolds.
Guión: Jane Anderson
Música: John Frizzell
Fotografía: Jonathan Freeman.
Es la verdadera historia de Evelyn Ryan, madre de diez hijos, católica de origen irlandés, con su afición en los años 50 y 60 a los concursos televisivos de todo tipo, de los que llegó a ser verdadera experta, hasta el punto de que los premios que ganaba sacaba a toda la familia de auténticos apuros.
Evelyn es el pilar de la familia. En primer lugar, porque gracias a los concursos sacaba a la familia de verdaderos agobios económicos, una familia con diez hijos. Por otro lado, porque estaba casada con Kelly, un hombre frustrado por haber visto truncada una posible carrera deportiva. Hombre de buen corazón, pero dado a la bebida. Su paciencia y amor con él era infinita, lo que le llevaba a aguantar todo tipo de desplantes de él.
El personaje que aparece en la pantalla es lo más parecido que cabe imaginar a "una santa corriente", a una de esas santas de la puerta de al lado, con expresión feliz del Papa Francisco. Además de que es una familia que reza el Rosario, como se ve en alguna escena. Realmente hace falta valor hablar en nuestros días de que en el matrimonio hay que saber ceder y aguantar, y que el espíritu de sacrificio es esencial. No es esto lo que impera en tantas familias rotas.
Evelyn es una mujer que deja al lado con gracia la adversidad y la mezquindad, que esconde una integridad moral a prueba de hecatombes, representante de cualidades que deberían ser globales (en todos), la sublimación virginal de la mujer empeñada en abarcar y organizar el mundo desde el hogar, que le permitiera ser recordada con el filtro de una realidad soñada a través de la nostalgia biográfica de sus hijos, eternamente agradecidos. Y no es una mujer desgraciada. Su marido llega a decir que es la mujer más feliz que conoce. Y siempre con una sonrisa para sus hijos.
Hay un momento impactante en que la hija "intelectual" se da cuenta que su padre no va a cambiar, porque no quiere y porque está la madre para arreglarlo todo. Y no quiere perdonar a su padre. Pero lo hace porque su madre le pide que le perdone, a pesar de todo.
Año: 2017
Países: Bélgica, Francia
Dirección: Carine Tardieu
Intérpretes: François Damiens, Cécile de France, Guy Marchand, André Wilms, Alice de Lencquesaing, Estéban, Lyés Salem, Sam Karmann, Brigitte Roüan, Julie Debazac.
Guión: Carine Tardieu, Baya Kasmi, Michel Leclerc, Raphaële Moussafir
Música: Eric Slabiak
Fotografía: Pierre Cottereau
Erwan, un viudo de 45 años que lleva una vida tranquila en la Bretaña francesa, descubre por accidente que su padre no es su padre. A pesar de toda la ternura que siente por él, investiga y encuentra a su padre biológico: Joseph, un simpático anciano del que se encariña inmediatamente. En su camino se cruza Anna, una mujer por la que siente una atracción especial y que traerá aún más sorpresas.
La película habla de la necesidad de tener un padre, y de que por otra parte no basta con serlo biológicamente hablando, se requiere esfuerzo. La hija de Erwan quiere ser madre soltera, pero su padre, que ha buscado a su verdadero padre, es plenamente consciente que el bebé no puede crecer sin la figura paterna. Al mismo tiempo Erwan, que aparentemente encuentra a su verdadero padre, sigue queriendo y preocupándose por Guy, que ha sido su padre desde que nació y que le ha cuidado y educado para ser la persona que es. Hay una escena muy bonita en alta mar donde se escenifica la complicidad entre padre e hijo. Un padre e hijo que en apenas unos segundos recuerdan, con nostalgia, un pasado familiar plácido y feliz. Más allá de pruebas biológicas está la demostración de los afectos y en eso Guy, a su manera varonil, siempre ha respondido.
En "Sácame de dudas" son precisamente los hombres los que tienen que hacerse cargo de la familia y de la gestión de las emociones, una parcela que suele estar reservada para los personajes femeninos. De este modo Erwan tuvo que sacrificar su carrera profesional para cuidar a su hija, tras la muerte de la madre. Por otro lado, la película juega muy bien con el enredo entre los dos padres, la hija de él y una hermana, consiguiendo un toque de originalidad.
No se entiende la fijación de Anna por mantener una relación sexual a toda costa con Erwan. Una chica tan seductora, aunque viva en una ciudad que parece que esté olvidada por la civilización, no se entiende su obsesión por un personaje con el que supuestamente no ha conectado desde el principio. No es que no encontremos a su protagonista como "el guapo", que por supuesto no lo es, y tampoco se trata de eso, pero una vez más el cine, y para colmo todo visto por una mujer, vuelve a ensalzar al macho alfa, al señor, no importa su edad, capaz de atraer, aunque sea por ciencia infusa, a la figura femenina, sea una joven o una adulta atractiva atraída y aunque le inspire lo mismo que un cubo de serrín.
Intérpretes: Regina Casé, Camila Márdila, Michel Joelsas, Karine Teles, Lourenço Mutarelli, Antonio Abujamra, Helena Albergaria, Luis Miranda
Guión: Anna Muylaert
Música: Fábio Trummer
Fotografía: Bárbara Álvarez
Después de haber dejado a su hija Jessica, durante años, en manos de unos familiares en el norte de Brasil, Val se gana la vida trabajando como empleada del hogar en Sao Paulo. Hasta que su hija Jessica decide visitarla en la casa donde trabaja 13 años más tarde.
Llamativa película que reflexiona sobre la maternidad y los sacrificios dolorosos que comporta, al tiempo que también habla de las diferencias sociales y los prejuicios que en los nuevos tiempos empiezan a diluirse.
Impresiona la interpretación de Regina Casé. Hacía tiempo que no veía tal nivel interpretativo. La actriz compone una madre tan particular como universal, capaz de reñir a su hija en la misma frase en la que le manifiesta un cariño intenso y profundo. Pero el hijo mayor de la familia en donde ella trabaja también le quiere con el mismo amor filial (prácticamente le ha educado) , con desconcierto de su madre, la dueña de la casa, que no entiende tal preferencia, quizás olvidando que su hijo ha estado un poco en segundo lugar debido a que se ha dedicado a otras cosas.
Val está al servicio de los demás, con paciente y callado desprendimiento, con renuncia expresa a los placeres cotidianos para poder ofrecerles a la familia una atención, un cuidado, un acompañamiento sin huecos ni fisuras, sin desfallecimientos ni olvidos. Vive para los demás y encuentra como válvula de escape a tanto amor al hijo de la casa a quien ella cría como un hijo propio. Pero el amor y la abnegación, ese darse del todo, no implican ofuscamiento de la mente ni extravío de la voluntad. Cuando tiene que apoyar a su hija en una difícil encrucijada vital, no lo duda y aunque pocas veces se ha movido por el propio bien, le mueve ahora la llamada de la sangre, del amor postergado. Y no duda en dejar la casa para irse con su hija.
Aunque al principio, Jessica no entiende a su madre-son muchos años de lejanía-, poco a poco va saliendo a flote el amor, dormido al principio, de la hija por la madre, cuando va entendiendo todo el sacrifico que le ha supuesto la separación. Al principio, para Jessica, Val es Val. Al final, es mamá.
Una pequeña crítica, que se nota en estas películas en que la directora es mujer y que lo mismo suele pasar en la novelas donde el autor es escritora: con demasiada frecuencia no terminan de dibujar bien los personajes masculinos. En la película pasa ésto. Los hombres, tanto Carlos, como Fabinho, son personajes un tanto maltratados y poco desarrollados en la historia. Son personajes infelices, muy débiles, inseguros, pero no terminamos de conocerlos, más allá de tener la certeza de estar sometidos a la voluntad de las mujeres de la familia.
Intérpretes: Martin Compston, Sophie Rundle, Mirren Mack, Fiona Bell, Christine Bottomley, Liz Ewing, David Hayman, Katie Leung, Bailey Patrick, Samuel Paul Small, Paul Brannigan, James Harkness, Shirley Henderson, Kate Dickie.
Guión: Nicole Taylor
Música: Paul Leonard-Morgan
Fotografía: Tim Palmer, Matt Gray
Después de que la madre de alquiler pierda a la criatura durante el embarazo, Dave y Emily deciden aceptar la propuesta de Kaya, una joven a la que conocieron después de que Emily la atropellase con su coche en un accidente y la acompañase al hospital. Kaya se ha ofrecido para ser su vientre de alquiler; pero Dave y Emily descubrirán que bajo su tranquila apariencia se esconde una chica problemática con un oscuro pasado.
En esta miniserie se maneja un tema interesante y polémico, el de la maternidad subrogada, con todas las cuestiones jurídicas y éticas que se plantean en estas situaciones. Al principio de la película, es la hermana de Dave, quien de manera altruista, lleva el embrión de los dos. Sin embargo, durante el embarazo, pierde el niño y se plantea entonces que sea Kaya el vientre de alquiler. Pero, ¿es lícito pagarle una exorbitante cantidad de dinero por este alquiler?. La cosa se podría atenuar si a Kaya se le pagaran simplemente los gastos derivados del embarazo, pero no es así.
A Kaya se le implanta el ultimo embrión de Dave y Emily. ¿Que hubiera pasado si no fuera así?. Es decir, si hubieran sobrado embriones y hubieran quedado congelados para siempre o se hubieran destruído. ¿De verdad alguien puede pensar seriamente que un embrión humano es simplemente un amasijo de células, una cosa de la que se puede disponer a gusto de los padres o del médico, o incluso matar?.
Dave y Emily tratan a Kaja de manera indigna, aunque al final de la serie hay un cambio de actitud. No ven en ella una persona, sino una cosa que lleva a su hijo.
¿Tiene Kaja un derecho a disponer de su cuerpo que le permite alquilarlo para que en él se desarrolle el embarazo?. No deja de ser curioso que muchas personas que responden que no a esta cuestión, sin embargo responden que sí cuando se trata del aborto. Es decir, la mujer, en este caso, sí que puede disponer de su cuerpo y abortar.
David y Emily tienen gran deseo de ser padres. ¿Este deseo da lugar a un derecho a tener un hijo a cualquier precio?. ¿Se puede tratar a un ser humano cómo si fuera una cosa, como si fuera un mueble sobre el que se pudiera disponer?.
Una cuestión que no suele ser tratada es el de las secuelas sicológicas para el bebé en la maternidad subrogada. Hay que partir de la idea que el recién nacido no es una tabla de cera en la que todo está por escribir. Es evidente que el bebé responde a estímulos desde momentos muy tempranos del embarazo. Especialmente les afecta todo lo que vive y siente la madre, lo cual puede dejar ya una huella que durará de por vida y que en muchos aspectos puede condicionar su salud física y emocional.
Y, claro, dejando el tema para que los especialistas profundicen, sí que hay una serie de cuestiones importantes en relación con la maternidad subrogada: ¿Cómo le afecta al bebé lo que vivia y sentía la gestante?. ¿Cómo le afectará ser separado de su madre nada más nacer y despedirse de ella definitivamente?. ¿Es irreal pensar que el bebé gestado por subrogación, al igual que todos los de nuestra especie, espera encontrarse al nacer con la mujer que le ha gestado y que para él es su única madre? ¿Qué puede sentir el bebé ante la falta de afecto de la madre por subrogación, mero vientre de alquiler?. Son preguntas que, al menos indican que estamos ante un tema enormemente delicado.
Intérpretes: August Diehl, Valerie Pachner, María Simon, Karin Neuhäuser, Tobías Moretti, Alexander Fehling, Karl Markovics, Franz Rogowski, Bruno Ganz, Ulrich Matthes, Matthias Schoenaerts, Martin Wuttke, Johannes Krisch, Michael Nyqvist, Jürgen Prochnow, Florian Schwienbacher, Johan Leysen, Waldemar Kobus, Wolfgang Michael.
Guión: Terrence Malick
Música: James Newton Howard
Fotografía: Jörg Widmer
Franz y Fani Jägerstätter son un feliz matrimonio que vive con sus tres hijas en una granja alpina en Sankt Radegund (Austria). Son campesinos, viven y trabajan rodeados de un impresionante paisaje montañés. Cuando estalla la segunda guerra mundial, los hombres comienzan a respaldar el nazismo pero Franz no se deja arrastrar por la corriente mayoritaria. Se resiste a prestar juramento a Hitler y se convierte en el primer objetor de un mundo de ferviente nacionalismo y creciente ideología de odio. El amor incondicional de su esposa y su fe inquebrantable, se convertirán en sus principales aliados para afrontar las graves repercusiones que su decisión provocará.
Es evidente que Terrence Malick juega en otra galaxia cinematográfica. Eso sí, hay que conectar con su forma de ver el cine, porque de lo contrario sus películas serán difíciles de seguir. Hombre de gran sensibilidad artística y de profundo amor por la naturaleza, en esta película cuenta la historia de Franz y su negativa a jurar lealtad a Hitler.
Franz es un hombre profundamente católico, que reza y confía en Dios (será beatificado por Benedicto XVI) y es, sobre todo, un hombre de conciencia. Sin querer, uno busca el paralelismo con Santo Tomás Moro. Se mantendrá fiel a los dictados de su conciencia, aunque su actitud resulte incomprensible a los que le rodean (no así a su mujer, que le apoyará incondicionalmente). Su gesto es inútil, nadie se va a enterar (a diferencia de Santo Tomás Moro, cuyo gesto de no prestar juramento al Rey resonará en Inglaterra y en toda Europa), pero a él le importa fundamentalmente el juicio de Dios. Franz no es un soberbio, no se encastilla en su punto de vista, pide consejo. Pero al final no puede ir contra su conciencia, el santuario de Dios.
Impresionan también las manifestaciones de fe: Franz y Fani rezan con confianza, aunque sea sin entender a veces porque les está sucediendo aquello. Es muy bonita la escena en que las dos hermanas rezan el Angelus, oyendo las campanas de la iglesia.Tienen fuerza también todos los pasajes de la prisión, en que la violencia de los malos tratos es tratada con inteligencia, elípticamente con el recurso al fuera de campo. Y el proceso al que Franz es sometido tiene un claro paralelismo con el de Jesús antes de ser crucificado.
Franz es un hombre sencillo, muy enamorado de su mujer Fani (en realidad la película es la historia de los dos), también muy enamorada de él. Padre amantísimo de sus hijas, buen trabajador, alegre y cordial con sus amigos. La película retrata muy bien la vida hogareña, compuesta de pequeñas cosas que dan la felicidad. Entre Franz y Fani hay un un tierno y completo amor, muy bien descrito por el director, que no le impide a ésta reconocer "yo le amo, pero Dios le ama más". Es una relación real que podemos tocar, y en la que hay verdaderamente dolor y gloria. Ninguno de los cónyuges (¡qué bien sabe dirigir a los actores Terrence Malick!) es impasible o actúa como si el sacrificio que les toca vivir no les rompiera el corazón. Tal vez el aspecto más hermoso de la película sea el diálogo, principalmente mudo, entre los dos cónyuges. En este sentido, se puede decir que estamos ante un Terrence Malick al máximo de sus capacidades, que muestra el amor sin empalagos ni redundancias, narrándolo mediante gestos y palabras casi "inexpresadas", propios de una pareja llena de confianza en el sueño de su vida y en su sencilla existencia cotidiana, inmersa en el microcosmos de las montañas austríacas.
Franz es un hombre solo, pero no solitario. Es un hombre que ama porque es amado. Desde un cierto punto de vista, la película es la historia de un largo diálogo, muchas veces a distancia, entre marido y mujer. Por un lado ella parece movida por un realismo responsable; por otro, es la fuente de una confianza siempre renovada. Franz sufre en prisión a manos de sus carceleros, pero también sufre Fani en una vida alejada de su marido, una existencia cada vez más difícil en un país hostil. La alternancia de las escenas nos muestra cómo los dos se sostienen viviendo el uno para el otro, atreviéndose a gestos de solidaridad por otros que necesitan ayuda inmediata. Se convierten en dos puntos de luz en un mundo aparentemente envuelto en tinieblas.
Pero hay otra historia, que aparece escondida en el poderoso drama, que es el de la relación entre Fani y su hermana, que vive con el matrimonio. Ella no entiende a su cuñado, pero cuando Franz es detenido, juzgado y ejecutado, ella va a ser el sostén de su hermana. En lo sobrenatural, Dios, pero en lo humano, si no estuviera su hermana, Fani se rompe. De forma sencilla está también reflejada esa relación fraternal.
Drama de conciencia, esta película también es inevitablemente el drama de la libertad. La fuerza tranquila del protagonista no solo reside en el gesto que realiza sino sobre todo en lo que se niega a hacer. Franz decide, totalmente solo contra todo y contra todos, no sumarse al culto de la fuerza, de esa fuerza que en aquel momento parece extenderse y vencer. Al obispo que le recuerda su deber con la patria, el campesino responde: "Si Dios nos ha dada el libre arbitrio, nosotros somos responsables de lo que hacemos y de lo que no hacemos". Pero uno de los momentos que mejor representa ésto es cuando Franz responde al abogado que, poniendo ante sus ojos el folio de adhesión al nazismo, le tienta diciéndole: "Si firmas te dejarán libre", a lo que responde: "Pero yo soy libre".
Una pequeña crítica se le podría hacer al director. Éste apenas repara en las tres hijas del protagonista. Aparecen en muchísimas secuencias, pero no llegamos a saber siquiera sus nombres. Dos parecen gemelas, pero tampoco tenemos esa certeza. Su presencia en pantalla sólo realza el gran amor al que renuncia el protagonista con su decisión final.
Acabo con otra de las claves de la película. Son las significativa palabras de George Elliot en su novela Mediados de Marzo, que dan el título a la película, en 1871:" El crecimiento del bien en el mundo depende parcialmente de actos ignorados por la historia; y si las cosas no nos van tan mal como podrían irnos a ti y a mí, se debe en parte al número de personas que han vivido fielmente una vida oculta y reposan en tumbas olvidadas".
Intérpretes: Álex Brendemühl, Eva Santolaria, Emma Suárez, Lluis Homar, Nerea Camacho, David Fernández, Constantino Romero, Álex Monner, Mireia Vilapuig, Joan Sorribes.
Guión: Albert Espinosa, Pau Freixas.
Música: Arnau Bataller
Fotografía: Julián Elizalde
Agradabilísimo-aunque con su punto dramático- intento de rodar un drama nostálgico evocando los mágicos años 80. La acción se desarrolla en dos tiempos. En la actualidad, un automovilista treintañero con prisa por llegar a una importante reunión de negocios, pero que ha perdido entre otras cosas la cartera, se ve obligado a recoger a una viajera estrafalaria a la que ofrece transporte si le presta dinero para la gasolina. Muchos años atrás, en los 80, una pandilla de niños de verano en la costa se dispone a participar en una competición cuyos ganadores se quedarán por un año con una cabaña del lugar, con poderes mágicos según la leyenda. Como sólo son cuatro y la tradición marca que deben ser cinco, deben encontrar otro amigo. Así que ponen un anuncio.
Es una película con evidentes defectos, pero funciona. No necesita recurrir al morbo ni a palabras malsonantes para que el espectador la vea con una sonrisa y, al final, con un punto de emoción. A la vez, plantea problemas universales. La iniciación a la vida, la transición a la edad adulta, el primer amor, la desestructuración familiar (¡qué difícil es la relación del protagonista con el nuevo marido de la madre!), la importancia de la amistad.
Para muchos la película les volverá a la adolescencia. Aquella época inolvidable que, transcurrido los años, se echa tanto de menos y con tanta nostalgia. Una época sin compromisos, con el primer amor por estrenar, y con unos amigos que lo van a ser para toda la vida aunque los años pasen y casi no se vuelvan a ver.
Entre sus activos, destaca la sencillez y el encanto de su historia, una comicidad tan blanca como efectiva, la extrema sensibilidad de su guión y un reparto estupendo, a los que hay que sumar una ambientación y un ritmo envolventes, evocadores de un tiempo, un lugar y una manera de entender la vida en peligro de extinción no sólo para los adultos sino incluso para los que son niños hoy, pues "Héroes" apela a la exaltación de la amistad y a una visión idealizada, casi mágica, de una infancia inocente a punto de colisionar con la cruda realidad adulta; la tierna historia de un verano tan caluroso como decisivo en las vidas de los personajes, marcados para siempre por su recuerdo.
Una de las subtramas de la película es la relación de uno de los protagonistas con su padrastro. No es lo mismo ser padrastro cuando el padre del menor ha muerto que cuando el padre biológico sigue vivo y lo que sucede es que la madre se ha divorciado. En el primer caso, los niños necesitarán tiempo para aceptar a su nuevo padre. Pero con paciencia y cariño, el nuevo padre terminará siendo aceptado, casi con toda seguridad, como un nuevo padre. El segundo caso, es mucho más complicado. Para aquellos niños cuyos padres biológicos estén vivos, el nuevo matrimonio de la madre, como sucede en la película, puede significar el fin de la esperanza de que sus padres biológicos se reconcilien. Incluso si ya han pasado varios años desde la separación, los niños (incluso los que son ya mayores) se suelen aferrar a esta esperanza durante mucho tiempo. Desde la perspectiva de los niños, esta realidad les puede provocar enfado, dolor y confusión. Es muy difícil entonces que al nuevo marido de la madre se le vea como un padre. Quizás efectivamente puedan llegar a ser amigos, pero para el niño, aunque ésto también depende, evidentemente, de la edad, su padre verdadero será el biológico, incluso, como sucede con cierta frecuencia, el padre les ha abandonado.
Año: 2018
País: Francia
Dirección: Mikhaël Hers
Intérpretes: Vicent Lacoste, Isaure Multrier, Stacy Martin, Ophélia Kolb, Marianne Basler, Nabiha Akkari, Jonathan Cohen, Greta Scacchi, Claire Tran.
Guión: Mikhaël Hers, Maud Ameline.
Música: Anton Sanko
Fotografía: Marion Monnier
La infancia de Amanda, una niña de siete años, transcurre con absoluta normalidad en París. Cuando su madre fallece en un brutal atentado, el único que puede hacerse cargo de la pequeña es su tío David, veinteañero y asustado ante lo que se le viene encima.
Es una película cuya trama tiene su origen en un acto terrorista, pero no es una película triste, sino esperanzadora. Tampoco es una película excesivamente sentimental, dulzona, No se muestran con facilidad los sentimientos, pero ahí están: en una mirada, en un gesto. Hay una historia sencilla y enternecedora, que, sin estridencias, toca las fibras emocionales del espectador.
Se nos cuenta las amabilísimas relaciones fraternales entre David y su hermana, madre soltera, dos hermanos que se quieren, que se cuidan, y que se pelean. Eso se truncará ante la brutal muerte de la hermana. El espectador siente profundamente la pérdida de la hermana y madre gracias a que se nos presenta en este primer tramo de la película el núcleo familiar con mucha precisión y simpatía.
Y al mismo tiempo surgirá la relación entre David y su sobrina -núcleo de la película- de quien tendrá que hacerse cargo. Muy asustado ante la responsabilidad que se le ha venido encima, de tener que cuidar a una niña de siete años, pronto madurará y asumirá un compromiso que nunca esperó. Lo que empieza siendo una relación de tío-sobrina se irá convirtiendo, poco a poco, en una relación paterno-filial. David asume que tendrá que ser el pilar en que se apoye su pequeña sobrina, la cual es plenamente consciente, a pesar de su corta edad, de la muerte de su madre y que poco a poco irá queriendo a su tío con cariño de hija. El eje de la narración está centrado en cómo sobrellevan el duelo, mientras van reconstruyendo sus vidas entre idas y venidas, lágrimas a escondidas. El rostro cansado de David, su andar apesadumbrado, y los llantos repentinos de Amanda sacuden cualquier cimiento. Y ese abrazo en el apartamento de la tía de David, cargado de ternura y afecto, conmueve hasta al más frío espectador. El desarrollo de esa relación, el afecto entre los dos (a través de las muchas escenas que comparten en las diversas actividades cotidianas) es sin duda el mérito más destacado de esta historia.
Siendo muy pequeño, la madre de David le abandonó, a él y a su hermana. David no ha querido saber ya nada de ella. Sin embargo, al final de la película, se nos insinúa la posibilidad del perdón por parte de él, y la posibilidad de que su madre también empiece a cuidar de su nieta.
Guión: Joachim Lafosse, Fanny Burdino, Mazarine Pingeot, Thomas Van Zuylen
Fotografía: Jean-François Hensgens
Después de quince años de convivencia, Marie y Boris deciden separarse. Marie es la propietaria de la casa en la que viven junto a sus dos hijos pero Boris es el que la ha renovado completamente. Sin embargo Boris no se puede permitir otro sitio en el que vivir por lo que deben continuar compartíéndola. Cuando ya todo está dicho y hecho, ninguno de los dos da su brazo a torcer.
El director muestra algo que alguna vez fue hermoso y que parece se ha echado a perder, aunque hubiera sido interesante algo más de profundización en los motivos de la ruptura. Hay desencuentros profundos, pero a la vez hay escenas en que ambos siguen manifestando que se quieren. ¿Se aburrieron uno del otro y la rutina marital va erosionando implacablemente las razones de una convivencia que sólo tiene como única misión la crianza de los hijos?. ¿Ya no se aguantan?. Lo que es claro es que hay continuos reproches, donde no existe esfuerzo alguno para perdonar y pedir perdón, y en que las victimas principales son, como siempre, los niños, que se convierten-¡cómo no! en blanco de los chantajes emocionales de uno y otro.
Es un personaje muy interesante la abuela , la madre de la protagonista, cuando asevera que en su época se procuraba arreglar las cosas y no tirarlas: "Antes las parejas se arreglaban. Ahora desaparece el deseo y las parejas se tiran. Pero nadie es perfecto". O: "Es una mentira el deseo por una misma persona toda la vida. Pero queda la amistad, que puede reemplazar el deseo y ésto es eterno". Y queda la duda: ¿con solo un poco de esfuerzo por parte de los dos, no podrían haber seguido adelante?:
